皆さまこんにちは。スタッフHでございます。

前回のブログでは銀生産の歴史について綴りましたが、今回は銀の性質や銀製品の純度などについてお話したいと思います。

大航海時代を経て世界中に大量に流通するようになった銀。その後様々な銀製品となり人々の日常を彩ってきました。

現在では就職祝いや出産祝い、銀婚式や還暦、退職の記念品など人生の節目に贈り物として贈られることも多くなりました。ヨーロッパでは赤ちゃんに銀のスプーンで食事を与えると、その子は生涯食べ物に困ることがなく幸せな人生を送るとされ、出産祝いに銀のスプーンを贈る習慣もあります。

風光舎に陳列されている銀のケースも戦前に外務大臣より日本の実業家であった石坂泰三氏に贈呈された品です。味わいのある渋い光を放っております。

銀の純度は純銀を１０００として合金に含まれる銀の割合を３桁の数字で表します。

銀製品を制作する際の銀の純度は、原則として９２５/１０００以上とされていますが、商品により９５０/１０００、９７０/１０００などの純度のものも用いられます。銀は純度が高いほど柔らかく加工が難しくなり、キズもつきやすくなるため、割り金として銅など他の素材を増ぜることにより、製品に加工しやすい硬度を保ちます。

日本では現在、一般的に９２５/１０００以上の純度のものが銀製品と呼ばれています。

銀の含有率が９２.５％の「シルバー９２５」の刻印には「９２５」「SV９２５」「S９２５」などの表記があります。シルバー９２５の７.５％の割り金には大抵「銅」が用いられますが、他にも亜鉛、アルミニウム、ニッケル、コバルトが含まれることがあります。

シルバー９２５の中でも残りの７.５％の割り金に「銅」のみが使用されるものだけを「スターリングシルバー」と呼びます。スターリングシルバーは元々はイギリスの銀貨の純度を示していました。

日本ではジュエリー協会が定めた基準により、銅以外の金属を混ぜたものはスターリングシルバーとは名乗れないとされています。

スターリングシルバーは銅だけを割り金として使っているため純銀に近い白く明るい輝きを放ちます。シルバー９２５はやや黄味がかっていることもあり、ニッケルやコバルトが入っている場合は青みがかることもあります。ニッケルにアレルギー反応を起こす人もいるのでジュエリーとして使用する場合は注意が必要です。

スターリングシルバーとシルバー９２５はどちらも変色しやすい特徴があります。銀は空気中にわずかに含まれる硫黄分などと反応し、硫化銀となるためです。変色の度合いは日頃の手入れの仕方や使用頻度などにより変わるため、使用後に汚れを拭き取ったり、保管方法に気を配るなどの注意が必要です。

先日行われたテニスのウィンブルドン選手権では、男子の優勝者にはスターリングシルバーに金メッキが施された優勝カップ、女子の優勝者にはトロフィーとしてスターリングシルバー製の大皿「ローズウォーター・ディッシュ」が決勝後に手渡されます。実際には現物は博物館に保管され、優勝者にはミニチュアのレプリカが贈られるそうです。

五輪の金メダルも中身が銀だと知ったときは驚きましたが、選手にとってはそんな下世話な話はどうでもよく、もっと崇高な志をもって戦っているはずですね。

それでは、また次の機会に。

Hello everyone. This is Staff H.

In my previous blog, I wrote about the history of silver production, and this time I would like to talk about the properties of silver and the purity of silver products.

After the Age of Discovery, silver came to be distributed in large quantities all over the world. Since then, silver has been used in various kinds of silver products and has been a part of people’s daily lives.

Today, silver products are often given as gifts to celebrate milestones in people’s lives, such as job-hunting, childbirth, silver wedding, 60th birthday, and retirement. In Europe, it is said that if a baby is fed with a silver spoon, he or she will have a happy life and never have to worry about food for the rest of his or her life.

The silver case on display at Fuhkosha was also presented to Mr. Taizo Ishizaka, a Japanese businessman, by the Minister of Foreign Affairs before World War II. It emits an austere light with a taste.

The purity of silver is expressed as a three-digit number, with 1000 being pure silver and the percentage of silver contained in the alloy.

As a general rule, the purity of silver used in the production of silver products is 925/1000 or higher, but depending on the product, purities such as 950/1000 and 970/1000 may also be used. The higher the purity of silver, the softer and more difficult it is to process, and the more easily it scratches, so other materials such as copper are added as an alloy to maintain a hardness that makes it easy to process into products.

In Japan, silver products are generally called “silver products” if the purity is 925/1000 or higher.

Silver 925” with a silver content of 92.5% is stamped with ‘925,’ ‘SV925,’ ‘S925,’ etc. Copper” is usually used for the 7.5% split in silver 925, but zinc, aluminum, nickel, and cobalt may also be present.

Among 925 silver, only those pieces in which only copper is used as the remaining 7.5% of the alloy are called “sterling silver. Sterling silver originally denoted the purity of British silver coins.

In Japan, according to the standards set by the Jewelry Association of Japan, any metal mixed with metals other than copper cannot be called sterling silver.

Sterling silver is made of only copper as a split metal, giving it a bright white shine close to that of pure silver. Silver 925 may have a slightly yellowish tinge, and if it contains nickel or cobalt, it may have a bluish tinge. Some people have allergic reactions to nickel, so care should be taken when using it as jewelry.

Both sterling silver and 925 silver have a tendency to tarnish. This is because silver reacts with a small amount of sulfur in the air to form silver sulfide. The degree of discoloration depends on how the item is cared for and how often it is used, so care should be taken to wipe off any dirt after use and to be careful about how it is stored.

At the recent Wimbledon Tennis Championships, a gold-plated sterling silver men’s championship cup and a sterling silver “Rosewater Dish” platter as the women’s trophy are handed to the winners after the final. The actual items are kept in a museum, and the winners are given miniature replicas.

I was surprised when I learned that the gold medals in the Olympics were also silver, but I believe that the athletes are not concerned with such trivial matters and are competing with more noble aspirations.

I will see you next time.

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ご実家の整理やお片付けなどをされている方のご相談などが多くございます。

お片付けなどくれぐれもご無理のないようになさってくださいませ。

風光舎では古美術品や骨董品の他にも絵画や宝石、趣味のお品など様々なジャンルのものを買受しております。

お片付けをされていて、こういうものでもいいのかしらと迷われているものでも、どうぞお気軽にご相談下さいませ。

また風光舎は、出張買取も強化しております。ご近所はもちろん、愛知県内、岐阜県、三重県その他の県へも出張いたします。

まずは、お電話お待ちしております。

愛知県名古屋市千種区姫池通

骨董 買取【古美術 風光舎 名古屋店】

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みなさまこんにちは、スタッフYございます。

この三連休、京都の祇園祭ではいですが各所で夏祭りが開催されていたようですが、ここ名古屋も名古屋港の花火大会などが開催されていたりと、いよいよ夏祭りのシーズンが始まりますね！。

ですが、この時期の夏祭りは梅雨が明けたか明ける前ということで悪天候が毎年懸念されることは多々でして、昨日の祇園祭もものすごい豪雨の様子がニュースで流れていたりと、雨が降るにしてもちょっと手加減してくれよ…と、言いたい気分でありました。

そんな夏祭りですが、今年も古美術風光舎のご近所城山八幡宮にて

2024年7/15(月祝)-17(水)「大茅輪（おおちのわ）くぐり・夏祭り」が行われております。

茅輪くぐりは、神社境内に設置された大きな輪をくぐることにより、無病息災・厄除け・家内安全などを祈願する行事のことをいいいますが、「輪くぐり」・「茅の輪くぐり」とも呼ばれ様々な神社にてこの時期おこなわれておりますよね。みなさまのご近所の神社にも、この時期輪があるのではないでしょうか。

この輪くぐり、スサノヲノ命の故事に習い祓芦（はらえよし）を持って茅の輪をくぐり、茅（ち・ちがや）の働きによって無病息災・諸難消除・疫病退散・健康長寿を御護り戴く夏の神事。スタッフY、そのくぐり方を毎年のごとく、うっかり忘れて毎年緊張するのですが、自分だけでしょうか。

少しおさらい致しますと、

先ず、茅の輪の前に立って軽く礼。左足からまたいで輪をくぐり、左回りに回って元の位置に戻ります。 次に茅の輪の前で軽く礼をし、 右足からまたいで輪をくぐり、右回りに回って元の位置に戻るそうです。各神社にて多少の違いはあるとは思いますが、後ろの方などがおりますと早くせねば…と、焦りもあってか、毎年のごとくミスっております笑。

これでは無病息災・諸難消除・疫病退散・健康長寿の祈願が届かないのでは…と、欲を張ってもう一度やり直ししたりするのですが、まぁ毎年実に格好の悪い輪くぐり。

そんな自分のことは一旦置いておいて、先日輪くぐりをしてきました店主の祓芦を早速店内に飾っております。祓芦は、「あし」を「よし」と云い替えて「よき事」を招く「換言」の一種ですので、自分もこの空間にいるということであやかりたいもの。よき事を招くと共に、さーっと伸びた祓芦のクールな佇まいが、このジメジメしたお天気を少しだけ軽やかにしてくれ「清涼感」も招いてくれました。

また、城山八幡宮の大茅輪くぐりは夕方から露店などもでて賑やかになってまいりますので、お時間ございます方、是非足を運んでみてください。

本日のブログにて予習はできましたので、私も今年こそは格好よくくぐる準備はできているのですが、たぶん焦るとはおもいますが、お仕事帰りにいってまいります。

それではごきげんよう。

城山八幡宮　大茅輪くぐり
日時：７月15日㈪～17日㈬　9：30～21：00
住所：愛知県名古屋市千種区城山町2-88
交通手段：地下鉄東山線 本山駅、覚王山駅

Hello everyone, this is Staff Y.

It seems that summer festivals were held in various places during this three-day weekend, including the Gion Festival in Kyoto, and here in Nagoya, the summer festival season has finally started with the fireworks display at the Port of Nagoya!

However, there are always concerns about bad weather during the summer festivals held at this time of the year, as the rainy season has just ended or is about to end.

The summer festival will be held again this year at Shiroyama Hachimangu Shrine in the neighborhood of Fumikosha Antique Art House.
The “Oochi-wa Kiguri (thatched-rope procession) and Summer Festival” will be held from July 15 (Mon., holiday) to 17 (Wed.), 2024.

Ouchi-no-wa-kuguri, also called “ring-kuguri” or “thatch-ring-kuguri,” is an event to pray for good health, protection from bad luck, and safety in the home by passing through a large thatch-ring set up in the shrine precincts. I am sure that there is a ring at your neighborhood shrine during this season.

This is a summer ritual to pray for good health and longevity, to get rid of all illnesses, to get rid of various troubles, to get rid of pestilence and disease, and to be blessed with good health and longevity by the action of thatch. Every year, Staff Y forgets how to go through the thatched roof and gets nervous, but is it just me?

Let me review it a little,
First, stand in front of the thatched ring and bow lightly. Then, you cross the ring with your left foot, turn to the left, and return to the original position. Next, you stand in front of the thatch ring, bow lightly, step over the right foot through the ring, turn clockwise, and return to the original position. I am sure there are some differences between shrines, but I always make a mistake every year, perhaps because I am in a hurry to get to the back of the line… lol.

I am always in a hurry to get it done, and I miss it every year. I am afraid that I will not be able to receive the prayers for good health, good health, good luck, and long life… I am so greedy that I have to do it all over again, but it is really not a good way to go around the circle every year.

I put such things aside for a moment, and I immediately put up the owner’s “purification ashi” that I went around the ring the other day in the store. A purification ash is a kind of “kanten,” which means to invite good things by changing “ash” to “yoshi,” so I would like to be in this space and do something good. The cool appearance of ASAHI ASHI, which was quickly stretched out, invited good things to happen and also brought a sense of “coolness” by making the gloomy weather a little lighter.

The “Great Kayawa-kuguri” at Shiroyama Hachimangu Shrine will be crowded with stalls from the evening, so if you have time, please visit the shrine.

I am ready to go through the shrine in style this year, but I will probably be in a hurry, but I will be there after work.

I will probably be in a hurry, but I will be there on my way home from work.

Shiroyama Hachimangu Shrine Grand Kayuri (thatched-rope procession)
Date and time: July 15 ㈪～17 ㈬ 9:30～21:00
Address: 2-88 Shiroyamacho, Chikusa-ku, Nagoya City, Aichi Prefecture
Access：Honyama Station or Kakuouzan Station on the Higashiyama Subway Line

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皆さまこんにちは。スタッフHでございます。

夏の蒸し暑さの中、店内のガラス製品や銀製品の涼やかさが目を引きます。

銀製品は涼やかさだけではなく、近年の研究では脱臭や抗菌効果が期待されるとして様々な製品に使われています。

銀を水に入れ電流を流すと電気分解され銀イオンが発生し、その銀イオンは細菌に付着し、細菌の生命維持に必要な酵素の働きを止めてしまいます。そのため銀イオンを含んだ水で洗濯をすると銀イオンが繊維の中に入り込み細菌の繁殖を抑え、防臭効果も高めてくれるとされています。

古くから銀は宝飾品、食器などに使われてきましたが、少し恐ろしいお話として。中世では毒物にヒ素が多く使用されており、当時の純度の低いヒ素には硫黄が含まれていて、硫黄に反応して黒く変色する銀の食器が毒殺から身を守るものとして使われていたという説もあります。

人と長い付き合いのある銀ですが、その起源はどのようなものだったのでしょうか。その歴史を調べてみました。

最も古い歴史としては紀元前４０００年頃にアナトリア半島カッパドキア（現トルコ中部）で粒状の銀がつくられたと言われています。

最古の銀製の宝飾品は紀元前３０００年頃、古代シュメールの都市ウルの埋葬遺跡で銀を素材にしてつくられたものが発見されています。中世の時代には重要な装飾品を作るために銀が活用されていました。

当時は銀は自然銀でも産出しましたが、自然金よりは少なく鉱石から取り出す必要があり、技術的に金よりも銀の方が純度の高いものを手にするのが難しかったため、純度の高い銀は非常に貴重で、金の２.５倍の価値があったともいわれています。

紀元前２５００年頃、銀を精錬する灰吹法が発明され銀の生産量が一気に増え、銀の価値は金に比べ低いものとなっていきました。

灰吹法とは金や銀を含んだ鉱石と鉛を混合して加熱し合金を作ります。それを灰が入っている皿の灰の上に置き加熱すると、鉛は酸化して溶けて酸化銀となり灰の中に染み込み、不純物の少ない金や銀が灰の上に残るという精錬方法です。

大量に生産できるようになった銀からは銀貨が作られるようになり、最も古い銀貨は紀元前６５０年ころリディア王国で作られたとされ、その後ギリシャでも鋳造されるようになりました。採掘には多くの奴隷を苦役があったそうです。多くの犠牲もあったのでしょうね。

１５世紀終わりから、ポルトガルとスペインによる新航路の開拓が進み、１６世紀には地球上の大陸や海域は船によって繋がり世界の一体化が始まりました。コロンブスの大西洋横断から約５０年後、スペイン支配下の南米アンデス山中でも銀鉱が発見され銀が大量生産され世界へと広まりました。

日本でも１５３０年代に灰吹法が導入され、石見銀山を中心とした日本銀の産出が増大し、一転して銀の輸入国から輸出国となりました。

日本とアメリカ大陸での銀の大量生産により、銀は国際商品としてこの時期の貿易の拡大を支えたのといわれています。

その頃の中国では銀に対する需要が高まっており、当時貴重なものとされていた中国の絹織物や陶磁器などが銀と交換され大量にヨーロッパへ流れたといわれています。

大航海時代に貿易の中心となった銀は、日用品や芸術品などに形を変え現在の生活を彩っています。

次回は様々な銀製品について綴ってみようと思います。

それでは、また次の機会に。

Hello everyone. This is Staff H.

In the humid summer heat and humidity, the coolness of glass and silver products in the store catches my attention.

Silver products are not only cool but also used in various products as they are expected to have deodorizing and antibacterial effects according to recent studies.

When silver is put in water and an electric current is applied, it is electrolyzed to produce silver ions, which adhere to bacteria and stop the action of enzymes that are necessary for bacteria to maintain life. Therefore, when washing clothes in water containing silver ions, the silver ions penetrate into the fibers, inhibit the growth of bacteria, and enhance the deodorant effect.

It has been used for silver coins, jewelry, and tableware since ancient times. A somewhat frightening story is that arsenic was widely used as a poison in the Middle Ages, and there is a theory that silver tableware, which reacts with sulfur and turns black in response to sulfur, was used as protection against poisoning because the low-purity arsenic of the time contained sulfur.

Silver has a long association with people, but what were its origins? We looked into its history.

The earliest known history of granulated silver is said to date back to around 4000 B.C. in Cappadocia on the Anatolian Peninsula (now in central Turkey).

The oldest silver jewelry was found around 3000 B.C., made of silver at the burial site of the ancient Sumerian city of Ur. During the Middle Ages, silver was used to make important ornaments.

At that time, silver was also produced as natural silver, but it had to be extracted from ore less than natural gold, and since it was technically more difficult to obtain silver of higher purity than gold, silver of higher purity was extremely valuable and was said to be worth 2.5 times as much as gold.

Around 2500 B.C., the ash-blowing method of refining silver was invented, and silver production increased dramatically, making silver less valuable than gold.

In the ash-blowing process, ores containing gold or silver are mixed with lead and heated to produce an alloy. The lead oxidizes and melts to silver oxide, which seeps into the ash, leaving the gold and silver with few impurities on top of the ash.

The earliest silver coins were made in the Kingdom of Lydia around 650 B.C., and were later minted in Greece. Mining required the hard labor of many slaves. There must have been a lot of sacrifices.

From the end of the 15th century, Portugal and Spain began to explore new sea routes, and by the 16th century, the continents and seas of the earth were connected by ships, beginning the unification of the world. About 50 years after Columbus’ Atlantic crossing, silver ore was discovered in the Andes mountains of South America under Spanish rule, and silver was mass-produced and spread throughout the world.

In Japan, the ash-blowing method was introduced in the 1530s, and the production of Japanese silver, mainly from the Iwami Ginzan Silver Mine, increased, turning Japan from a silver importer to an exporter.

The mass production of silver in Japan and the Americas is said to have supported the expansion of trade in silver as an international commodity during this period.

At that time, demand for silver was increasing in China, and Chinese silk fabrics and ceramics, which were considered valuable at the time, were exchanged for silver and shipped in large quantities to Europe.

Silver, which became the center of trade during the Age of Discovery, has been transformed into daily necessities and works of art, and is now a part of our daily lives.

In my next entry, I will write about various silver articles.

See you next time.

皆さまこんにちは。スタッフＴでございます。

3連休ですが、すっきりしないお天気ですね。今日の名古屋は午後から雨が降るようですので、湿度増し増しで不快指数MAXです。先日のような自分の身が焼かれるような暑さに比べれば、いくぶんマシかとも思いますが、梅雨時の方がなんだか暑く感じてしまうこともあります。

ほぼ梅雨時にしか聞かない気もしますが、「不快指数」とは蒸し暑さによる不快さを表す指数のことで、気温と湿度から求めた「体感温度の指標」のことを指します。不快指数が高いほど、体感温度が高いことを意味します。

具体的な求め方は（別に覚える必要もないのですが）、0.81×温度＋0.01×湿度×（0.99×温度-14.3）＋46.3。数式にするとよく分かりませんが、温度が高い、また湿度が高いほど、不快指数、つまり体感温度も高くなるということのようです。

この不快指数が77を超えると、おおよその日本人は不快感を覚えるそうです。

例えば、気温38度、湿度0％のときの不快指数は77。つまり、カラッカラに乾いていれば、38度の酷暑でも不快とはいえないことになります。逆に、湿度100％の時は気温25度で不快指数77。湯気のあふれるお風呂場は、25度を超えると不快と感じるということです。

「不快指数」は高温多湿の日本人にとっては、単なる暑さだけではなく、湿気感としての「蒸し暑さ」を程よく表す目安といいましょうか。 気付けばすっかり市民権を得た言葉となりました。実際の数字はどうであれ、堪え難い日本の夏を代表するにふさわしい言葉であることは間違いありませんね。

ところで、客観的な数値で表される「湿度」に比べ、「湿気」というと何やら親しみさえ感じる不思議さ。昔の人が湿気止めと呼んでおりました乾燥剤を、海苔の缶に入れるだけでなんだか安心感が湧いてくるのは、長年湿気とつきあってきた日本人の習性でしょうか。

またこの時期、天気予報の「洗濯指数」や「服装指数」が役に立ちますが、ところで、いつの間にか「〇〇指数」の種類が増えている気がしますが、気のせいでしょうか。

気になって気象関連のホームページをのぞいてみると、「のど飴」や「アイス」「シミ・リバウンド」まで、見慣れない指数の数々が。「何でもあり？」と突っ込みたくなりますが、「○○指数」は数字の集積である気象データを、いかに暮らしやすさにつなげるかが本質であるそう。「何でもあり」ではないようです。

指数のほとんどは、気温や湿度、風速、降水量など日本気象協会が持つ膨大な気象データを、独自に生み出した計算式から導いており、何をどう掛け合わせるかは「企業秘密」なのだそう。

のどの乾燥しやすさを示す「のど飴指数」や、日焼け止めなど肌のダメージ対策を促す「シミ・リバウンド指数」など、確かに日々の暮らしで目にすると、ちょっと気にして取り入れてみようかなという気持ちになるものです。少々そういった数値に踊らされている感はありますが、確かに日常生活に浸透している気がしますね。

ここで豆知識を一つ。日本気象協会によると、ネットのアクセス数が多いものは、毎日役立つ「洗濯指数」と「服装指数」に、肩を並べるのは天体観測の目安になる「星空指数」なのだそう。

今日のお天気では無理そうですが、星空指数が高いほど綺麗な星空が見られますよ。

日常にロマンが足りないと感じているみなさん、参考にしてみてください（笑）。

ではでは、また。

Hello everyone. This is Staff T.

It’s a three-day weekend, but the weather is not so clear. It is supposed to rain in Nagoya this afternoon, so the humidity is increasing and the discomfort level is at its maximum. Compared to the heat like the other day, when I felt as if I was burning myself, it is a little better, but sometimes I feel hotter than during the rainy season.

The “discomfort index” is an index of discomfort caused by hot and humid weather, and is an indicator of the temperature you feel in your body, calculated from the air temperature and humidity. The higher the discomfort index, the higher the temperature you feel.

The specific formula is (and you don’t have to remember it): 0.81 x temperature + 0.01 x humidity x (0.99 x temperature – 14.3) + 46.3.

When the discomfort index exceeds 77, most Japanese people feel uncomfortable.

For example, when the temperature is 38 degrees Celsius and the humidity is 0%, the discomfort index is 77, meaning that if the air is dry and crispy, even a heat wave of 38 degrees Celsius is not uncomfortable. On the other hand, when the humidity is 100%, the discomfort index is 77 when the temperature is 25°C. This means that a bathroom full of steam is uncomfortable when the temperature exceeds 25°C.

The “discomfort index” is not just a measure of heat for the Japanese, who are used to high temperatures and humidity, but also a good measure of humidity, or “hot and humid”. The term has become a household word. Regardless of the actual number, there is no doubt that it is an appropriate word to represent the unbearable Japanese summer.

By the way, compared to “humidity,” which is expressed as an objective numerical value, “humidity” is a strange and even familiar word. Just putting a desiccant, which people in the past called a “moisture stopper,” in a can of dried laver gives me a sense of relief, perhaps a Japanese habit of dealing with humidity for many years.

Also during this time of year, the “laundry index” and “clothing index” in the weather forecast are very useful.

When I looked at weather-related websites out of curiosity, I found a number of unfamiliar indexes, including “throat lozenges,” “ice cream,” and even “stains/rebounding. I was tempted to ask, “Is anything possible? But the essence of the “XX Index” is how to connect weather data, which is an accumulation of numbers, to the ease of living. It seems that it is not “anything goes.

Most of the indexes are derived from the Japan Weather Association’s vast amount of meteorological data, including temperature, humidity, wind speed, and precipitation, and from original formulas.

The “throat lozenge index,” which indicates how dry one’s throat tends to get, and the “blemish/rebound index,” which promotes measures against sunscreen and other skin damage, are certainly things that, when you see them in your daily life, make you think about adopting them with a little care. Although I feel that we are a little bit dancing around such figures, they certainly seem to have permeated our daily lives.

Here is a piece of trivia. According to the Japan Weather Association, the top three most frequently accessed online weather data are the “laundry index” and the “clothing index,” which are useful every day, and the “starry sky index,” which is a guide to astronomical observation, are on a par with the “laundry index” and the “clothing index.

It may seem impossible in today’s weather, but the higher the starry sky index, the more beautiful the starry sky will be.

For those of you who feel that your daily life is lacking in romance, please take a look at this for reference (laughs).

See you soon.

皆さまこんにちは。スタッフHでございます。

パリオリンピックを２週間後に控え、テレビで過去の五輪競技の映像などを観る機会が多くなりました。

当時の自分を振り返り、時の流れを感じずにはいられません。リオ五輪で日本男子が４００ｍリレーで銀メダルを獲った瞬間は、駅構内のテレビで見ず知らずの人と喜びを分かち合いました。懐かしいです。

さて本日は中国製の「古染付 芙蓉手」をご紹介します。

といいましても知識不足ですので自分なりに調べてみました。

古染付は中国明時代の末期を中心に景徳鎮民窯で焼かれた染付磁器です。形も絵も自由奔放でのびやかさがあり、白く美しい磁器に澄んだコバルトで染付された作品が日本人にも好まれ、日本の茶人からの注文によって作られたものもあると考えられています。

絵柄には長寿、富貴栄華、子孫繁栄などの願いが込められたものが多く描かれています。

その中でも芙蓉手とは見込中央に大きく円窓を施し、周囲を花弁のように区切る文様構成が芙蓉の花を思わせることから名付けられたそうです。１７世紀初めにオランダ東インド会社が「染付芙蓉手」の器を中国に特別に注文し輸入したところ、その藍色のみの華やかさがヨーロッパで人気となったとのこと。

その後、明から清への王朝交代に伴う動乱期に中国磁器の輸出は縮小されることとなり、代わりに日本の伊万里焼が芙蓉手を制作し、主に輸出向けの様式としてヨーロッパに渡ることとなりました。

風光舎にございます芙蓉手の皿、手に取るとまずその薄さと軽さに驚きます。お皿の口縁部にかすかに切込みが入っていて花びらの繊細さと軽やかさを演出しています。

淡い藍色の染付で優しい雰囲気なのですが、見込みに描かれた花鳥や縁の吉祥文様が一面にのびやかに描かれていて芙蓉手の名前にふさわしい華やかさがあります。

ところで、今さらですが芙蓉の花とは？

芙蓉はハイビスカスの仲間でもあり、７月から１０月にかけて１０センチほどの大輪の花が咲く花木だそうですが、花自体は朝に開花し夕方にはしぼんでしまう一日花だそうです。ただ次々と新しい花を咲かせ続けるため長く楽しむことができます。

古代中国では詩や絵画に頻繁に登場し、皇室の庭園に植えられることも多く、美しさと優雅さの象徴とされてきました。

日本においても庭園や茶室の装飾として愛され、夏目漱石や与謝野鉄幹なども歌に詠んでいます。能や狂言といった伝統的な日本芸術にも影響を与え、また富士山もその姿の神秘的で美しい姿から「芙蓉峰」とも呼ばれていたことから日本人には馴染みの深い花だったのでしょう。

芙蓉の一種で１０月頃に咲く「酔芙蓉」は、朝に咲いた白い花が夕方にかけて徐々にピンクに色づいていくそうで、その様子が酔っているように見えることから酔芙蓉と名付けられてそうです。なかなか一日眺めていることはできませんが、興味津々です。ぜひお目にかかりたいものです。

個人的にはあまり馴染がなかった芙蓉ですが、この夏、目を凝らして探してみようと思います。

芙蓉は盛夏の暑さにも強く、太陽の光があればアスファルトやコンクリートからでも芽を出し、排気ガスなどの影響をものともせず花を咲かせるそうで、高速道路の街路樹にも使われているそうです。私の勝手なイメージとは違いとてもたくましい花でした。あやかりたいです。

それでは、また次の機会に。

See you next time.

本日は、初代帝室技芸員にも選ばれた　日本画家　田崎早雲　のご紹介です。

日本画家　田崎草雲は1815年に生まれた日本を代表する画家の一人です。

田崎草雲は、文化12（1815）年10月15日に、江戸の神田小川町の足利藩邸内にて生まれ、幼い頃から親戚の金井烏洲（かないうじゅう）に絵画の手ほどきを受け、20歳のときに藩士をやめて谷文晁（たにぶんちょう）・渡辺崋山（わたなべかざん）という日本画の大家と呼ばれる二人に師事し本格的に絵画を学び始めます。嘉永6（1853）年には、足利藩の絵師になっています。

画家としても、評価の高い田崎草雲ですが、実は志士としても活躍をしています。志士たちと交友を深め、尊王の志を強くし、幕末・維新の動乱期には誠心隊（せいしんたい）という民兵組織を結成し治安維持にあたり、足利を戦火から守ったという記録が残されています。

そんな田崎草雲ですが、写実性の高い作品を多く残していることで知られます。南画の師である谷文晁や渡辺崋山亡き後、書画会における草雲の評価は低かったとされています。草雲は文晁を畏敬はしたが、真似をした作品を書くことを嫌がっていたといいます。プロ意識が高く、写実のため本草学も学ぶという熱心さがあり、凧の絵や浮世絵を書いたりして世渡りをする一方で、自らの描く芸術だけには信念を曲げることなく、江戸っ子としての「意地」の部分が草雲を大成させたと言えるのではないでしょうか。

そんな田崎草雲の作品は、山水画を始め、花鳥図、人物などが多いことが特徴です。「白華朱楼図」では、山水の方式を取り険しい岩肌の崖から覗く情緒ある寺院に橋など、基本に忠実に描かれています。その独特の強さや繊細な画風などは独特の雰囲気や空気感を得ることができる作品となっています。

初期の頃はあまり高い評価を得ていなかったと言われる田崎草雲ですが、次第に高い評価を得ていきます。明治23（1890）年には、芸術家にとって最も名誉ある帝室技芸員（ていしつぎげいいん）に、橋本雅邦（はしもとがほう）らとともに選ばれました。

また、後世の教育にも力を入れており、岱寺山（れんだいじやま）〔現：足利公園内〕に白石山房（はくせきさんぼう）を建て、足利では多くの弟子をとり絵画を教えました。しかし、絵を欲しがるだけの志しが低いものは受け入れることはせず、自身の目に敵う者だけに師事させたといいます。

また、司馬遼太郎の小説、「喧嘩早雲」のモデルともなっており、早熟の作家というよりは年をとるにつれ認められた作家といえるでしょう。弟子に小室翠雲がおり、時代の代表者として後輩画家を育てた経歴の持ち主です。

代表作は「蓬菜山図」「富嶽図」です。彼の各作品は国内だけでなく国外でも高い評価を受けています。「絹本着色　蓬莱仙宮図」に描かれた海と蓬莱山。「絹本墨画　富嶽図」の望遠鏡さえ使ったといわれる富士山の見事な風格。「絹本着色　花鳥図　３幅対」からは、喧嘩っ早い彼が小さなものをも愛していた様子が伺われます。

また、足利市には「早雲美術館」があり、足利が生んだ幕末の勤皇画家田崎草雲の遺作・遺品を展示しています。足利公園の南端にあり、美術館の横には草雲が画室や居宅として使っていた白石山房があります。

Today, we would like to introduce Soun Tasaki, a Japanese-style painter who was also the first Imperial Household Artist.

Japanese painter Soun Tasaki, born in 1815, is one of Japan’s leading painters.

He was born on October 15, 1815, in the Ashikaga domain residence in Kanda Ogawa-cho, Edo (present-day Tokyo). He began to study painting in earnest under Tani Buncho and Watanabe Kazan, two of the great masters of Japanese painting. In 1853, he became a painter for the Ashikaga clan.

Although highly regarded as a painter, Soun Tasaki was also active as a samurai. He formed a militia called “Seishintai” to maintain public order during the upheavals of the late Edo period and the Meiji Restoration, and protected Ashikaga from the fires of war.

Tazaki Soun is known for his highly realistic works. After the death of Tani Buncho and Watanabe Kazan, his teachers in nanga, Soun’s reputation in the calligraphy and painting circles was low. It is said that although Soun was in awe of Buncho, he did not want to write works that imitated him. He was highly professional and eager to learn herbology for the sake of realism, and while he was a world-famous artist who wrote kite paintings and ukiyoe, he never wavered in his belief in his own art, and it can be said that his “willfulness” as an Edo native made him a great artist.

The works of Soun Tasaki are characterized by their landscape paintings, flower-and-bird paintings, and human figures. In “Baihua Shurozu,” the artist has faithfully depicted the basics, such as a bridge and an emotional temple peeking out from a steep rocky cliff, following the landscape style. The unique strength and delicacy of the painting’s style give the work a distinctive atmosphere and atmosphere.

It is said that Soun Tasaki did not receive high acclaim in his early years, but he gradually gained a high reputation. In 1890, he was selected as a member of the Imperial Household Artists’ Association, the most prestigious honor for an artist, along with Hashimoto Gaho and others.

He also devoted himself to the education of future generations, building the Shiraishi Sambo (White Stone Mountain Studio) on Mount Rendaiji (now Ashikaga Park) and teaching painting to many students in Ashikaga. However, he did not accept those with low aspirations who only wanted to paint, and only allowed those who were good in his eyes to study under him.

He was also the model for Ryotaro Shiba’s novel, “Kenka Soun,” and can be considered a writer who was recognized as he grew older rather than a precocious artist. His pupil was Suiun Komuro, who was a representative of his time and trained junior painters.

His representative works are “Bokkaisan-zu” and “Fugaku-zu. Each of his works has been highly acclaimed not only in Japan but also abroad. The sea and Mount Horai depicted in “Horai Sengu Zu” (Coloring on Silk). The depth of the painting. Fuji, which is said to have even used a telescope in “Fugakuzu (Mt. Fugaku)” (ink painting on silk). The “Coloring on Silk, Flowers and Birds, Pair of Three Pairs” shows how he loved small things as well as quarrelsome ones.

Ashikaga City is also home to the Soun Tasaki Museum of Art, which exhibits the works and belongings of Soun Tasaki, an Ashikaga-born painter of the late Edo period. Located at the southern end of Ashikaga Park, next to the museum is the Shiraishi Yamabo, which Soun used as his painting studio and residence.

みなさまこんには、スタッフYでございます。

雨ばかりが続いております。雨のみならず暑さのせいもあるのでしょうか、さくらんぼうが綺麗に実のらない、野菜が大きく成長し過ぎるなどの様々な農作物の心配なニュースを耳に致します。

先日なのですが、稲はどうなっているのかな…と、気になりまして、買い物の寄り道をして「氷上姉御神社」の御神田のそばを通り抜けてまいりました。

「氷上姉子神社」ご存じない方もいらっしゃると思いますので少し捕捉をいたしますと。

創建が伝わるところによりますと、なんと西暦195年。こちらの神社はあの日本武尊（やまとたけるのみこと）のお妃・宮簀媛命（みやすひめのみこと）の住まいがあった地であり、そちらをお祀りしているとのこと。実はあの三種の神器である草薙神剣はもともとこちらの神社に祀っていたようであり、日本武尊亡き後、お妃・宮簀媛命がこちらにあった草薙神剣を熱田の地に遷して、お祀りしたのが熱田神宮の始まりとされております。

要するに熱田神宮創建以前から存在していた神社のようであります。現在は熱田神宮の摂社でありますが、名古屋市緑区大高町の氏神様として親しまれており、かつての豊かな杜の佇まいを現在も残しております。

そして、たまに通り過ぎるのがこちらの氷上姉子神社の御神田「大高齋田」。昭和７年に設定、翌８年から御田植え祭りが始められ、収穫米は熱田神宮の本宮や各社の年間の祭典用神饌として供えられられます。

以前、伊勢神宮の御神田も気になって見に行ったことがあるのですが、御神田の場所はどこもそんなに派手には表示しておりませんので、よそ者がその地を見つけるのは結構難解であります。

ですが辿り着けますと「ここにあったのか！」といった感動と共に、秘境を発見したような気持ちになります。どちらの御神田もそうなのですが、清らかに吹きぬけている風を浴びながらさらに感動するのですが、やはり御神田を見に来る人ってそんなにいませんね笑。

さて、こちらの氷上姉子神社の「大高齋田」は、毎年6月第4日曜日には古式豊かに御田植祭が行われ、揃いの衣装で田植歌に合わせて田舞を奉納しお田植えをするそうなのですが、スタッフY残念ながら植祭の様子はまだ見たことがありません。一度も見学しないとは、真の御神田マニアとはいえそうにはありませんが、昨日通り過ぎた田植え後の稲の様子がこちら。

順調に育っているようですね。それにしても曇天と社の森と、すくすくと育っている稲の若緑が映えます。この時期、さらに多彩になる緑色が晴天ではなくても映えるのか…、しばしその緑と風を感じながら写真を撮っておりました。

それにしても一年を通して季節や時間や天候の移り変わりによって様々に見せてくれる緑色ではありますが、この時期の意気揚々とした緑色はそのパワーも相まって美しい。その意気揚々を少し頂戴したく、この緑がその日のテーマカラーになりました。

今年も稲の豊作を願いつつ…、それではごきげんよう。

Hello everyone, this is Staff Y.

It has been raining continuously. I wonder if it is not only because of the rain but also because of the heat, and there have been reports in the news of worries about crops such as cherries not growing beautifully, vegetables growing too big, and so on.

The other day, I wondered how the rice was doing…so I took a side trip to the shopping and passed by the Mikanda of “Hinokami Anemi Shrine”.

I was wondering what Ina was like…so I took a shopping detour and walked by the Mikanda of the “Hinokami Anemi Shrine”.

According to the legend, the shrine was founded in 195 AD. This shrine is dedicated to Miyasuhime-no-mikoto, the wife of Yamatotakeru no Mikoto, who used to live here. In fact, the Kusanagi Sword, one of the three sacred weapons, was originally enshrined at this shrine, and after the death of Takemikoto, his wife Miyasumahime no Mikoto moved the Kusanagi Sword from this shrine to Atsuta and enshrined it there, which is said to be the beginning of Atsuta Shrine.

In short, the shrine seems to have existed before Atsuta Shrine was built. Although it is now a subordinate shrine of Atsuta Shrine, it is well known as the guardian deity of Odaka-cho, Midori Ward, Nagoya City, and still retains the appearance of the rich forest it once had.

And sometimes we pass by this “Odaka Saida,” the Mikanda of the Hyokami Ane no Mikami Shrine. The rice harvest is offered to the main shrine of Atsuta Jingu and other shrines for their annual festivals.

I once went to see the Ojinden at Ise Jingu Shrine because I was curious about it, but the location of the Ojinden is not so conspicuously marked, so it is quite difficult for a stranger to find the place.

But once you get there, you will be impressed with the feeling of “There it is! and you feel as if you have discovered an unexplored region. As is the case with both of the Mikanda, I am even more impressed as I bathe in the clear wind blowing through the area, but I guess not many people come to see the Mikanda.

The “Ohtaka Saida” of the Hikami-no-Mikoto Shrine is said to hold a traditional rice planting ceremony on the fourth Sunday of June every year, where people wear matching costumes and perform a rice planting dance to the accompaniment of a rice planting song. It would not be true to say that I am a true Mikanda enthusiast if I have never observed the event, but here is a picture of the rice plants after planting that I passed by yesterday.

It seems to be growing well. The cloudy sky, the forest of the shrine, and the young greens of the growing rice plants are all very attractive. I wondered if the green color, which becomes even more diverse this time of year, would look good even without clear skies… I was taking pictures while feeling the green and the wind.

The green color changes with the seasons, time, and weather throughout the year, but the exuberant green of this time of year is beautiful with its power. I wanted to take some of that enthusiasm and green became the theme color for the day.

Wishing you a bountiful rice harvest this year as well…Have a good day.

皆さまこんにちは。スタッフHでございます。

また通りすがりにいつもの美術館に立ち寄ってまいりました。この酷暑の中、駅に直結していて訪れやすいというのもあるのですが、こちらの美術館のポスターはいつも迫力満点で、つい吸い込まれて入館してしまいます。今回のテーマは江戸の浮世絵師、歌川広重の「広重－摺りの極み―」です。浮世絵というものを肉眼で見たことがなかったのでこの機会を逃す手はありません。

とはいえ思い付きでしたので、あまり時間に余裕がなく、ほんのちょっと覗くつもりが中に入ると３４０点近くの作品が展示されており、とてもちょっとでは済まない様子…。同時代に活躍した葛飾北斎展が数年おきにどこかしらで開催されているのに対し、広重の大規模かつ総合的な展覧会はあまり開催されていないらしく、希少な初摺り作品をはじめ初期から晩年までの作品が並べられ広重の魅力を堪能できます。

展覧会後期には違う作品も展示されるようですので、機会があれば今度こそゆっくりと鑑賞したいところです。

実は先日阿部サダヲ主演の「広重ぶるう」というドラマを観たところで、どうしても広重と聞くと阿部サダヲが脳裏にちらついていたのですが、三代歌川豊国が描いた広重の姿絵が最初に紹介されていたので払拭することができました。

ドラマのタイトルにもあるように、広重の青は「広重ブルー」と呼ばれ、透明感のある鮮やかな青を指します。実はこの青はドイツのベルリンの染料業者が原料の調合を間違えて偶然発見したとされる科学的な合成顔料で、日本には１７４７年に輸入されたとされています。発見された地名をとって名づけられた「ベルリン藍」はやがて「ベロ藍」と呼ばれるようになりました。

この見たこともない鮮明な青に江戸時代の人々は驚き、このベロ藍で摺られた広重や北斎の浮世絵が大人気を博しました。

新１０００円札のデザインにもなっている北斎の「神奈川沖浪裏（かながわおきなみうら）」もこの鮮やかな青の濃淡があってこそ、あの波の迫力が生まれたと言われています。

それまで浮世絵の青は色あせが激しい植物由来のものが多く、明るい青を出す鉱物由来の顔料は高価で、庶民向けの浮世絵には使えなかったとのこと。

「ジャパンブルー」と呼ばれた広重や北斎の浮世絵の青は世界を驚かせましたが、その青色はベルリン生まれだったのですね。

展覧会を巡っていますと広重の青の多彩に魅了されます。白々と明けていく朝の情景から、夕闇の深さまで青の濃淡で繊細に描かれています。

また着物の帯や提灯などに指し色のように入る赤や雪の白なども印象的でした。素人目からみても構図が面白く、たくさんの作品を観ていてもあきません。少し駆け足でしたが、どっぶりと江戸の風景に浸ることができました。

広重の絵の特徴でもあるいきいきとした人物画を楽しむためには老眼鏡（リーディンググラス？）が必須かと思われます。とにかく細かいのです。黙り込んでいるような人物や、後ろ姿だけの人物にもストーリー性を感じ想像力が掻き立てられます。

広重といえば「東海道五十三次」くらいしか思い浮かびませんでしたが、「木曽街道六十九次」も描いております。こちらは写真撮影がOKだったものです。

私の写真では色の美しさは伝わりにくいと思いますが。

また花鳥画、美人画、戯画、役者絵、絵封筒など多くの作品を残しています。絵ハガキを何枚か購入しました。

こちらの美人画は動きがあり、夕闇に吹き抜ける風を感じませんか。

そして「月に秋草」名づけられたこちらの団扇絵（うちわえ）は世界でこの１枚しか現存しないそうです。すすきや女郎花などの草花が満月をバックに描かれとても涼やかです。

こんな団扇であおげたら…と外の酷暑を想像しながら、あまりゆっくり鑑賞できなかったことを悔しく思いながら展覧会をあとにしました。

それでは、また次の機会に。

Hello everyone. This is Staff H.

I dropped by the usual art museum again on my way by. It is easy to visit the museum because it is directly connected to the station in this extremely hot summer, but the posters of this museum are always full of power, and I am always drawn into the museum. The theme of this year’s exhibition was Hiroshige Utagawa Hiroshige, an ukiyoe artist of the Edo period, and his “Hiroshige: The Ultimate in Printmaking. I had never seen Ukiyo-e with my own eyes, so there was no way I could miss this opportunity.

However, since it was an impromptu visit, I didn’t have much time to spare, and what was supposed to be a quick peek turned out to be more than a quick one, with nearly 340 works on display. While exhibitions of Katsushika Hokusai, who was active in the same period, are held somewhere every few years, it seems that large-scale and comprehensive exhibitions of Hiroshige’s works are rarely held, so visitors can enjoy the charm of Hiroshige’s works from his early years to his later years, including rare first prints.

It seems that different works will be exhibited in the latter half of the exhibition, so if you have a chance, I would like to take the time to view them again.

I had just watched the TV drama “Hiroshige Buruu” starring Sadawo Abe the other day, and when I heard the name Hiroshige, I couldn’t help but think of Sadawo Abe, but I was able to get rid of it when I saw the first picture of Hiroshige drawn by Toyokuni Utagawa III.

As the title of the drama suggests, Hiroshige’s blue is called “Hiroshige blue,” which refers to a clear and vivid blue. In fact, this blue is a scientifically synthesized pigment that was accidentally discovered by a dyer in Berlin, Germany, who made a mistake in mixing raw materials, and was imported to Japan in 1747. Berlin indigo, named after the place where it was discovered, eventually became known as “Vero indigo.

The people of the Edo period were amazed at this unprecedentedly vivid blue, and ukiyoe paintings by Hiroshige and Hokusai, which were printed with this Bero-Ai, became very popular.

Hokusai’s “Kanagawa Okinamiura,” which is also the design for the new 1,000-yen bill, is said to have been created with this vivid shade of blue to create the power of the waves.

Until then, most of the blues used in Ukiyo-e were derived from plants, which fade rapidly, and mineral pigments, which produce a bright blue color, were too expensive to use in Ukiyo-e for the general public.

The blue of Hiroshige and Hokusai’s Ukiyo-e, called “Japan blue,” astonished the world, but that blue was born in Berlin.

When I visited the exhibition, I was fascinated by the variety of Hiroshige’s blue. From the morning scene in the light of dawn to the depths of dusk, the shades of blue are delicately depicted.

The red and white of the snow on the kimono obi and lanterns were also impressive. From an amateur’s point of view, the compositions were interesting, and one never got tired of looking at the many works. Although the tour was a bit rushed, I was able to fully immerse myself in the scenery of Edo.

Reading glasses (or reading glasses?) are required to enjoy Hiroshige’s lively portraits, which are characteristic of his paintings. reading glasses are necessary to enjoy Hiroshige’s lively portraits, which are characteristic of his paintings. The paintings are very detailed. Even figures who seem to be silent or only in the back are telling a story, which stirs the viewer’s imagination.

Speaking of Hiroshige, only “53 Stages of the Tokaido” came to mind, but he also painted “69 Stages of the Kiso Kaido. This one I was allowed to photograph.

I think it is difficult to convey the beauty of the colors in my photographs.

He also left many works such as flower-and-bird paintings, beautiful women paintings, caricatures, pictures of actors, and picture envelopes. I purchased several postcards.

This picture of a beautiful woman has movement, and don’t you feel the wind blowing through the darkness of the evening?

This fan painting, named “Autumn Flowers on the Moon,” is said to be the only one of its kind in the world. It is very cool with flowers and grasses such as Japanese pampas grass and gynostemma against the full moon.

I left the exhibition feeling regretful that I could not spend more time viewing the works, imagining the extreme heat outside.

See you next time.

みなさまこんにちは、スタッフTでございます。

さて、本日は「帝室技芸員」についてのお勉強です。

「帝室技芸員（ていしつぎげいいん）」？聞き慣れない言葉、何それ？　という方もいらっしゃるかと思います。 かく言う私も、知りませんでした……。

「帝室技芸員」と言われても、何のことやら……。それも無理はありません、現在ではもう存在しない顕彰制度です。

帝室技芸員は、1890年から1947年まで帝室(皇室)によって運営されていた美術家や工芸家の顕彰制度です。

1888年（明治21年）に帝室より「宮内省工芸員」が制定され、1890年（明治23年）にそれに変わる「帝室技芸員」制度が発足されました。最初に任命されたのは高村光雲（彫刻）、石川光明（彫刻）、柴田是真（漆工）、橋本雅邦（画家）、田崎早雲（画家）、森　寛斎（画家）、狩野永悳（画家）、伊達弥助（織物）、狩野夏雄（彫金）等がいました。

この制度は、明治維新によって日本の伝統文化が低迷している中、幕府や諸藩の庇護を失い、窮地に立たされた日本美術・工芸作家の保護奨励を目的としました。その制度によって選ばれたのが帝室技芸員で、皇室の美術・工芸品制作を勅命で行ったり、博物館総長の諮問（しもん）に応じたり、といった任務が与えられた、栄誉職でした。

定員は25名で勅任官待遇を受け、年金ももらうことができ、制度が廃止された昭和19年（1944）までに79名が任命されています。

「技芸員」という名前の通り、任命された作家の分野は幅広く、日本画家や西洋画家、彫刻家のほか、金工、陶工、漆工、刀工といった諸工芸作家、写真家なども任命されており、現在の「人間国宝」制度の前身になっているともいわれています。

では「人間国宝」とは？
「人間国宝」という言葉は通称であり「重要無形文化財の各個認定保持者という認定を受けた人」ということです。物ではなく、その「技」を持つ人間のそのものを“文化財”とする名称です。
芸能では雅楽、能楽、文楽、歌舞伎、舞踊、演劇など、工芸技術では陶芸、染色、漆芸、金工、木竹工などで認定されています。

「無形」があるなら当然「有形」もあります。絵画や古美術品、建造物などがそうですね。

このような自国の芸術家を守る制度は日本のみで諸外国にはないようです。なんだか少し鼻が高い気がするのは私だけでしょうか。

現在の人間国宝が持つ「伝統文化の保護」を主目的としているのに対し、帝室技芸員は「日本の美術工芸を外国に広める」という意図があったといわれています。

とはいえ、単に「人気があるから」というだけで任命されるものではなく、任命されるに不足ない優れた技術を持つ作家が厳選されていたことは、最後に任命が行われた1944年までの55年間に、絵画 45名、彫刻7名、工芸 24名、建築2名、写真1名、計 79名しかいないことを見れば明らかです。

少し興味が湧いてきたところで、次回は「帝室技芸員」に誰がいるの？と題して、お勉強して参りたいと思います。

ではでは、また。

Hello everyone, this is Staff T.

Today, we will learn about “Imperial Household Artists.
A “Teisho Gijin” (Imperial Household Artistician)? What is this unfamiliar term?　Some of you may be wondering, “What is it? I didn’t know it either. ……

Even if you say “Imperial Household Artists,” I have no idea what you are talking about: ……. It is not surprising that it is an awarding system that no longer exists today.
The Imperial Household Artists were a system of honoring artists and craftsmen that was administered by the Imperial Household (Imperial Household) from 1890 to 1947.
The purpose of the program was to protect and encourage artists of Japanese arts and crafts who had lost the patronage of the shogunate and clans and were in dire straits, while traditional Japanese culture was in a slump due to the Meiji Restoration. Under this system, Imperial Household Artists were selected for the position of Imperial Household Artists, an honorary position with duties such as producing works of art and crafts for the Imperial Household by imperial order and in consultation with the Director General of the Museums.
The number of museum curators was limited to 25, and they received imperial appointments and pensions. 79 curators were appointed until 1944, when the system was abolished.

As the name “Artist-in-Residence” implies, there were a wide range of artists appointed, including Japanese and Western painters, sculptors, goldsmiths, potters, lacquer workers, swordsmiths, and photographers, and it is said to be the forerunner of the current “Living National Treasure” system.

So what is a “Living National Treasure”?
The term “living national treasure” is a common name for a person who has been certified as an individual holder of an important intangible cultural property. It is not a physical object, but a person who possesses the “technique” that is considered a “cultural asset.
The “intangible cultural properties” are recognized in the performing arts such as gagaku, Noh, bunraku, kabuki, dance, and drama, and in the crafts such as ceramics, dyeing, lacquer, metalwork, and wood and bamboo crafts.

If there are “intangible” arts, there are naturally “tangible” arts as well. If there is an “intangible,” there is naturally a “tangible,” such as paintings, antiques, and architectural structures.
It seems that Japan is the only country that has such a system to protect its own artists, while other countries do not. Am I the only one who feels a bit proud?

It is said that the main purpose of the current Living National Treasures is to “protect traditional culture,” while the Imperial Household Artists were intended to “promote Japanese arts and crafts to foreign countries.
Nevertheless, it is clear from the fact that during the 55 years until 1944, when the last appointment was made, only 79 artists were appointed, including 45 painters, 7 sculptors, 24 craftsmen, 2 architects, and 1 photographer, rather than simply because they were “popular”. This is evident from the fact that there were only 79 artists in total.

Now that you have become a little more interested in the subject, let’s take a look at who are the “Imperial Household Artists” in the next issue of “Who are the Imperial Household Artists? I would like to learn more about the “Imperial Household Artists.

See you soon.

みなさまこんにちは、スタッフYでございます。

本日は、七夕の日。

私の記憶が正しければ、ここ名古屋で七夕の日に雨が降らないのは久しぶりな気がいたします。今年は無事、織姫と彦星は再会を果たせるのでしょうか。

七夕の日、ここまで悪天候の記憶が染み付いてしまっていると、織姫と彦星がどのくらいの確立でところで再会できているのか気になってきまして。少し古いデータになるのですが、1961年から2020年までの60年間で15時時点の天気基準で「会えた」とされるのはたったの18回だそうです。確立にしてたったの30%の確率といったところでしょうか。

そもそも年に1度しかチャンスが無いというのに30%の確率でしか成功しないデート、間違いなくカップルの関係性は冷え切るだろうし、将来的な発展も見込めない気がしてならなくなってきました。何となくわかっていた結果でしたが、やはり織姫と彦星は滅多に会えていなかったようです。

また、もし曇天を「会えた」とカウントしても75%の確率でデートが成功していることになるようでして、曇天を含んでも年に1回のデートすら25%の確率で失敗に終わるというのは…。破局待ったなしの状況ではないか。

そんな…泣。と、嘆いているみなさま。ですが、ご心配には及びませんよ。「かささぎ説」というのが存在しておりまして、雨で天の川を渡れない織り姫と彦星を可哀想に思った「かささぎ」という鳥の群れが、翼を広げて橋を作ってくれるので、二人はどんな天候でも会うことができるという伝説が存在いたします。要するにお天気関係なく2人は再会できるんですね。あぁ、よかった…。

そんな2人が再開する様子を妄想していきますと、さきほど「カササギ説」も含め、七夕の日に織姫様と彦星様はどんな風に会いにいくのか？そのシチュエーションも気になってきまして。

どんなシチュエーションなのか気になって調べてみますと、彦星様が牛に乗って織姫様に会いに行く説、 彦星様が天の川を渡ることができないときに、無数の鳥が飛んできて天の川の橋になってくれた説が存在するようです。

どちらもありっちゃありのようでして、どちらかというと彦星様が牛に乗って織姫様に会いに行くという説のほうがよく知れ渡っているような気がいたしますが、牛に乗って会いに行く、天の川を渡って会いに行くも、どちらも彦星様から会いに行く設定のようです。

どちらにしても織姫様への愛が感じられる二説なのですが、危険な川かどうかはわかりませんが、天の川を渡っていく彦星のことを思いますと、「破局説や悪天候にも負けず天の川を渡ってほしい…。」と、応援したくなる七夕の日でありました。

それではごきげんよう。

Hello everyone, this is Staff Y.

Today is Tanabata day.

If I remember correctly, it has been a long time since it has not rained on Tanabata day here in Nagoya. Will Orihime and Hikoboshi be able to meet again this year?

Since the memories of bad weather on Tanabata day have been so ingrained in my mind, I was wondering how often Orihime and Hikoboshi were able to meet again at the same place. The data is a bit old, but it seems that in the 60 years from 1961 to 2020, they met only 18 times based on the weather conditions at 3 pm. That’s a probability of only 30%.

I have come to think that a date with only a 30% chance of success, when there is only one chance a year to begin with, will definitely cool down the couple’s relationship, and I have come to think that there is no prospect for future development. It was a result that I somehow knew, but it seemed that Orihime and Hikoboshi rarely met each other after all.

Also, if we counted cloudy weather as “meeting,” it seemed that there was a 75% chance of a successful date, and even including cloudy weather, there was a 25% chance that even one date a year would end in failure…. Isn’t that a catastrophe waiting to happen?

Oh, no…I cry. I am so sad to hear that. But there is no need to worry. Legend has it that a flock of birds called “Kasasagi” felt sorry for Weaver and Hikoboshi, who could not cross the Milky Way due to rain, so they spread their wings to form a bridge so that they can meet no matter what the weather is like. In short, the two can meet again regardless of the weather. Oh, thank God…

I was wondering how Orihime and Hikoboshi would meet on Tanabata day, including the “magpie theory” I mentioned earlier, when I fantasized about their reunion. I was also curious about the situation.

I was curious about the situation, so I looked it up. There is a theory that Hikoboshi-sama rides on a cow to meet Orihime-sama, and there is a theory that when Hikoboshi-sama could not cross the Milky Way, countless birds flew to her and served as a bridge over the Milky Way. Both of them seem to be possible, and I think the theory that Hikoboshi-sama rides on a cow to meet Orihime-sama is more well known, but it seems that Hikoboshi-sama goes to meet her either by riding on a cow or by crossing the Milky Way.

I am not sure if it is a dangerous river or not, but when I think of Hikoboshi crossing the Milky Way, I want him to cross the Milky Way without being defeated by the catastrophe theory or bad weather…” I hope Hikoboshi will be able to cross the Milky Way, despite all the theories of catastrophes and bad weather…” It was the day of Tanabata.

Have a good day.