みなさまこんには、スタッフYでございます。

このところ来週4月5,6,7日店舗にて開催されます「器と骨董展」にむけて、器についてのお勉強中なのですが、ちょうど面白い志野焼の桔梗型の向付が目につきました。お茶のお稽古をされている方ですとご存知かと思いますが、本日はその「志野焼」についてつぶやいていきたいと思います。

志野焼は美濃焼の一種なのですが、それにしても私がイメージするのは抹茶茶碗でして。美濃（岐阜県）にて安土桃山時代に焼かれた白釉を使った焼物なのですが、赤志野や鼠志野などいくつかの種類があり、同じく美濃焼の一種である瀬戸黒とともにその技法は重要無形文化財に指定されているものや、岐阜県の重要無形文化財に指定されているものなどがあります。

室町時代の茶人・志野宗信が美濃の陶工に命じて作らせたのが始まりとされ、可児市久々利から土岐市泉町久尻にかけて産出する耐火温度が高く焼き締りが少ない五斗蒔粘土やもぐさ土という鉄分の少ないやや紫色やピンク色がかった白土を使った素地に、志野釉（長石釉）と呼ばれる長石を砕いて精製した白釉を厚めにかけ焼かれます。通常、釉肌には肌理（きめ）の細かい貫入や柚肌、また小さな孔が多くあり、釉のかかりの少ない釉際や口縁には、緋色の火色と呼ばれる赤みのある景色が出ることのですが、これらさまざまな偶然が重なることで志野焼の面白さ、そして奥ゆかしさの表現をいっそう広げているように思えます。

数年前なのですが、日本を代表する国宝の志野茶碗「銘卯花墻」（うのはながき）をタイミングよく拝見することがありました。日本で焼かれた茶碗で国宝に指定されているのは、本阿弥光悦の白楽茶碗（銘不二山）と、この卯花墻の２碗のみなので、絶対に見逃していけない。と、気合を入れて（笑）三井美術館へ乗り込んでいったことがとても記憶に残っております。

拝見したままの様子はといいますと、素地は卵殻色の俗に言う百草土。白濁半透性のいわゆる志野釉が厚くかかり、口辺その他施釉の薄い部分は赤くこげ、全面に荒い貫入があり、底裏無釉、轆轤による成形。これを歪ませ、また篦を入れ、底付近には陶工の指跡も生々しく残っている様子でありました。また、釉下に鉄絵具で奔放な縦横の筋をいれてありますが、銘印ありません。

美濃で焼かれた志野焼は、日本陶磁史上はじめて下絵付で絵を描いた陶器でして、「銘卯花墻」にも簡略な格子状の線が引かれているのですが、江戸時代前期の武将茶人・片桐石州は、その文様の白い釉薬で見え隠れするさまを卯の花が咲く垣根に見立て、「卯花墻」と名付けたのがその名の由来のようでして、自分が拝見した時にもとても小ぶりなお茶碗だな…と、最初に思いました。奥ゆかしい趣のお茶碗という印象でした。その肌に垣根に見え隠れする卯の花が見えてくるような見えてこないような…なのですが、景色をどうとらえるかは本人の想像力によるも。覗き込みながらその無限に広がる想像力をかきたてる奥ゆかしい小さなお茶碗でした。

そんなわけでこの桔梗型の向付とも対峙してみるのですが。自分には「消えかかった春の霞」でしょうか…。上手く表現できませんが、別の人にその見立てを尋ねてみるのも焼物の鑑賞の面白い遊びかもしれませんね。みなさまは何に見立てますか？

それではごきげんよう。

Hello everyone, this is Staff Y.

I have been writing a blog about the “Vessels and Antiques Exhibition” that will be held at our store on April 5, 6, and 7, and I noticed an interesting Shino ware with a Kikyo (bellflower) shape. I have just noticed an interesting Shino ware with a Kikyo-shaped motif, which I think those of you who practice tea ceremony may be familiar with.

Shino ware is a type of Mino ware, but what I imagine it to be is a green tea bowl. It is a pottery using white glaze fired in Mino (Gifu Prefecture) in the Azuchi-Momoyama period, but there are several types such as red Shino and rat Shino, and the technique is designated as an important intangible cultural property along with Setoguro, which is also a type of Mino ware, and also designated as an important intangible cultural property of Gifu Prefecture.

It is said that the tea ceremony master of the Muromachi period, Munenobu Shino, ordered potters in Mino to produce this pottery, and it is said that the origin of this pottery is the Goto-maki clay, which is produced from Kuri, Kani City to Kusiri, Izumi Town, Toki City, and has a high refractory temperature and low firing retardancy, and mogusa clay, a slightly purple or pinkish white clay with low iron content. The glaze is then applied thickly and fired. Usually, the glaze surface has fine texture and many small pores, and the edges of the glaze and mouth rim, where the glaze is less applied, have a reddish appearance called scarlet fire color. It was a few years ago.

A few years ago, I had a chance to see a Shino tea bowl “Mei Unohanagaki,” a national treasure representing Japan, at the right time. Since there are only two tea bowls made in Japan that are designated as National Treasures, Hon’ami Koetsu’s Shiraku tea bowl (inscribed Fujisan) and this Unohanagaki, I was determined not to miss it. I remember that I went to the Mitsui Museum of Art with a lot of enthusiasm (laugh).

As I looked at them, they were made of eggshell-colored clay, commonly known as “Hyakuso-do”. The white, semi-transparent Shino glaze was applied thickly, the mouth and other thinly glazed areas were reddish brown, and the entire surface was roughly pierced. The bottom back was unglazed, and the potter’s wheel was used to mold it. The potter’s finger marks were clearly visible near the bottom of the potter’s wheel, which had been warped and hollowed out. There is no mark on the bottom of the bowl.
Shino ware, which was fired in Mino, was the first pottery in the history of Japanese ceramics to be painted with underglaze enameling, and “Ming Ubana-mamen” also has simple lattice-like lines drawn on it. When I saw it, I thought it was a very small tea bowl…. I had an impression that it was a tea bowl with a profoundly elegant taste. I could almost see the rabbit flowers that were hidden in the hedge on its skin…but how you perceive the scenery depends on your own imagination. It was a profoundly small teacup that stirred the infinite imagination of the person peering into it.

So I confronted this Kikoko-shaped mukozuke. For me, it is like a “fading spring haze”…. I can’t express it well, but it might be an interesting game of pottery appreciation to ask another person to describe it.

Have a good day.

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ご実家の整理やお片付けなどをされている方のご相談などが多くございます。

お片付けなどくれぐれもご無理のないようになさってくださいませ。

風光舎では古美術品や骨董品の他にも絵画や宝石、趣味のお品など様々なジャンルのものを買受しております。

お片付けをされていて、こういうものでもいいのかしらと迷われているものでも、どうぞお気軽にご相談下さいませ。

また風光舎は、出張買取も強化しております。ご近所はもちろん、愛知県内、岐阜県、三重県その他の県へも出張いたします。

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骨董 買取【古美術 風光舎 名古屋店】

TEL052（734）8444

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皆さまこんにちは。スタッフHでございます。

暖かい風に誘われて、桜の蕾もようやく膨らんできました。上ばかり見ていては危ないのですが、ついつい桜の木を見つけると見上げてしまいます。

風光舎店内も骨董祭に向け模様替えをしております。少し器の紹介をさせていただきますね。

棚の手前に並んだ三枚の小皿。桔梗の花でしょうか。青みがった灰褐色で濡れたような艶があります。山口県萩市須佐で焼かれている焼き物で、須佐焼（すさやき）、または須佐唐津焼と呼ばれるものです。

伝承によると、朝鮮半島から渡来した陶工が窯を築いたとされ、１２世紀に全盛を迎えた高麗青磁や粉青沙器の三島の影響を受けていると言われています。その他に、鉄釉（黒）やビードロ釉（青、白）、藁灰釉のものもあります。釉薬の調合などの全ての工程は昔ながらの技法が使われ、代々秘伝の文書が受け継がれており、化学釉は使われていないそうです。

須佐唐津焼の開窯には諸説あるようですが、少なくとも室町時代には存在していたとのことです。

その後、毛利藩の永代筆頭家老、益田家が御用窯に取り立てて販路を広めていったとされています。

須佐という土地ですが萩市の東北部に位置し、江戸時代に入る前は小さな港町でした。なぜそのような小さな町が城下町として栄えたのでしょうか。

歴史を紐とくと、関ヶ原の戦いで敗れた戦国大名の毛利輝元が中国地方８か国から、周防と長門の２か国に減俸されたことに始まるようです。その際に家臣の益田元祥が石見の国から毛利家に追従し須佐の地に移住しました。６つの村１万２０００石あまりの領地に益田家の家臣だちを住まわせ、生活の糧をえられるよう須佐を中心に街づくりを進めたようです。

毛利藩再興のための産業の一つとして須佐唐津焼を保護し、窯の拡張をはかりました。

港町でもあったことから北前船を活用し、北陸・東北・北海道まで販路を開拓していったとのことです。

萩の焼き物なのに、なぜか唐津の名前が入っているのは、唐津の陶工であった鹿郎衛門が１５００年代終わりに唐津から須佐に移り住み、須佐領主の益田氏に土谷姓を与えられ御用窯となったからだそうです。現在は十四代目の土屋道仙氏が伝統の窯を継承されています。

須佐唐津古窯跡は山口県の指定史跡となっており、この窯跡で焼かれた「須佐焼」は近接する萩焼とは異なる歴史をたどったと推定されています。

昭和４１年から４３年に発掘調査が行われ、３基の窯跡と２か所の物原（焼成に失敗した陶磁器を捨てた場所）が発見されました。物原の下層からは「幻の須佐青磁」と呼ばれていた青磁片が出土し江戸時代前期にはこの窯で青磁が焼かれていたことが確認されています。

明治に入ると、御用窯の役目を終え販売が自由になりました。しかし交通の発達に伴い瀬戸焼や有田焼が入ってくるようになると注文が減り、大正末期までにほとんどが廃窯となりました。現在、須佐焼を製陶しているのは土谷家のみとなっており、江戸時代と変わらぬ方法で釉薬の調合や土の精製をし、ほとんどの作品を登り窯で焼成されているそうです。

いつも感じることですが、伝統を守るということは並大抵の努力ではできないことでしょう。

本当に頭が下がる思いです。

それでは、また次の機会に。

Hello everyone. This is Staff H.

With the warm breeze, the buds of the cherry trees are finally swelling up. It is dangerous to keep looking up, but I can’t help but look up at the cherry trees when I see them.

The Fukosha store is being redecorated for the antique festival. I would like to introduce a few of the vessels.

Three small plates lined up in front of the shelves. They are probably bellflowers. They are grayish brown with bluish tints and have a wet sheen. This pottery is made in Susa, Hagi City, Yamaguchi Prefecture, and is called Susa-yaki or Susa Karatsu-yaki.

According to tradition, the kilns were built by potters who came from the Korean Peninsula, and it is said to have been influenced by Mishima, the Goryeo celadon and powder blue pottery that reached its height in the 12th century. Other types of glaze include iron glaze (black), beadlo glaze (blue and white), and straw ash glaze. All processes, including glaze mixing, are said to be done using traditional techniques, with secret documents handed down from generation to generation, and chemical glazes are not used.

There are various theories as to when Susa Karatsu ware was first produced, but it is said to have existed at least as early as the Muromachi period (1336-1573).

Later, it is said that the Masuda family, the permanent chief retainer of the Mori Clan, appointed the kiln as an official kiln and expanded its sales channels.

Susa is located in the northeastern part of Hagi City and was only a small port town before the Edo period. Why did such a small town flourish as a castle town?

History tells us that it began when Terumoto Mori, a feudal lord who was defeated in the Battle of Sekigahara, was reduced from eight countries in the Chugoku region to two countries, Suo and Nagato. His vassal, Masuda Motoyoshi, followed the Mori clan from Iwami and settled in Susa. 12,000 koku of land in six villages were occupied by vassals of the Masuda clan, and the town was built around Susa to provide for the family’s livelihood.

As one of the industries for the revival of the Mori clan, Susa Karatsu ware was protected and the kilns were expanded.

They developed sales channels as far as Hokuriku, Tohoku, and Hokkaido by utilizing the Kitamae Ship.

The reason why the name Karatsu is included even though the pottery is from Hagi is because Shikaroemon, a potter from Karatsu, moved from Karatsu to Susa at the end of the 1500s, and was given the Tsuchiya family name by the Susa lord, Masuda, and became the official kiln. Currently, the 14th generation Tsuchiya Dosen continues the tradition of the kiln.

The Susa Karatsu Kiln Site is designated as a historical site by Yamaguchi Prefecture, and it is estimated that the Susa ware fired at this kiln site had a different history from the neighboring Hagi ware.

Excavations were conducted from 1966 to 1968, and three kiln sites and two monohara (places where ceramics that failed to fire were discarded) were discovered. Celadon shards known as “phantom Susa celadon” were excavated from the lower layer of the monohara, confirming that celadon was fired in this kiln in the early Edo period.

In the Meiji period (1868-1912), the role of the imperial kiln ended and sales became free. However, with the development of transportation, orders decreased as Seto and Arita ware began to arrive, and most of the kilns were closed by the end of the Taisho period (1912-1926). Today, the Tsuchiya family is the only potter still making Susa-yaki, and they continue to mix glazes and refine the clay in the same way as in the Edo period, firing most of their pieces in a climbing kiln.

As I always feel, preserving tradition is something that cannot be done by ordinary efforts.

I am truly bowled over.

See you next time.

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骨董 買取【古美術 風光舎 名古屋店】

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みなさまこんにちは、スタッフTでございます。

名古屋も昨日ようやく開花宣言が出ました。朝からの雨も上がり、室内より外の方が暖かく感じるほどです。蕾も膨らみ、桜の木全体がピンク色になってきたような気がいたします。

さて、来月4月5,6,7日の「器と骨董展」開催にあたり、準備を進めております。

様々な器を手に取りながら、先日のブログで、傘は昔から形が変わらないと呟いたけれど、器もそうかもしれないなと思いながら作業しております。

日本の食生活に合わせて生まれた、様々なかたちの器。
和食器は海外の器とは比べ物にならないほど、形状のバリエーションがあります。それぞれの由来や違いを知れば、うつわ選びがさらに楽しくなるかもしれません。

どのかたちの名称も明確な決まりは無いようですので、メーカーやつくり手によって、同じようなかたちや用途でも違う名称の場合がありますが、一般的な種類として「碗」「茶器」「酒器」「蕎麦猪口」「鉢」「蓋物」「皿」などがあります。

今日は風光舎にも比較的多くの数がある「皿」について少し調べてみましたので、お付き合いください。

主に主菜・副菜などを盛り付けるための平ら、または浅い器。

洋食器の「プレート」にあたります。大きさによって、豆皿（手塩皿）・小皿・中皿・大皿などに呼び方が分かれます。また、形によって呼び方も変わります。

「丸皿」正円の皿。皿のなかでも定番のかたちで、幅広い用途に使えます。ちなみに、正円ではなく楕円形（オーバル）の皿は「楕円皿」と呼びます。

「角皿」正方形や長方形、八角形など、角型の皿。横長のものは特徴的な形状の料理を盛るときには欠かせず、特に焼き魚にぴったり。

「縁付き皿」縁の部分が一段立ち上がっている皿。洋食器では「リム皿」と呼びます。

「深皿」縁が少し立ち上がっていて、深さのある皿。
鉢ほどの深さはありませんが、多少の汁物も受け止めてくれるので、煮物などをよそうときに便利です。
「縁高皿」中央が平らで、縁が高くなっている皿。

料理が盛りやすい形状です。ワンプレートで様々な料理を盛り付けるときにもおすすめです。
「膾(なます)皿」生肉や魚、野菜を細かく刻み、酢であえた“なます”を盛るために、江戸時代に生まれた、少し深さのある５寸前後の皿。

「皿」だけでこんなにも呼び方がたくさんあるのは日本ならではな気もいたします。

そして、器選びの重要なポイントの一つである大きさ。和食器ではかたち、深さ等に関わらず、主に丸皿の場合、大きさを「寸（または号）」で表します。

現代ではあまりなじみのない「寸」という単位は、昔から使われている尺貫法の単位で、人の体を使って大きさ（長さ）を表した単位です。

1寸は約3.03cm。

これは親指をあてたくらいの長さで、1尺の1/10になります。ちなみに1尺は30.303cm。指先から肘までくらいの長さでしょうか。

また、大きさによって、豆皿（手塩皿）・小皿・中皿・大皿などに呼び方が分かれます。

私のようにどれを買ったらいいのか分からない(笑)という人は、まずは、メイン皿として7寸皿、取り皿として5寸皿を買い足すのが良いようです。そこから、豆皿を増やしていく、7寸と5寸の間の6寸皿を買い足す、丸ではない角皿や、縁が華やかな輪花皿を買うなどと増やしていくのが良いようです。

財布の紐を締めたいところですが、たくさんの可愛いお皿を眺めていると危険な気がしてまいりましたので、今日はこの辺りで終わりとさせてください。

ではでは、また。

Hello everyone, this is Staff T.
Yesterday, Nagoya was finally declared to be in full bloom. The morning rain has stopped and it feels warmer outside than inside. The buds are swelling and the entire cherry tree seems to be turning pink.

We are now preparing for the “Vessels and Antiques Exhibition” to be held on April 5, 6, and 7 next month.
As I hold a variety of vessels in my hands, I am thinking about what I said in my blog the other day about umbrellas not changing their shape since ancient times, and I think that the same may be true of tableware.

Various shapes of dishes have been created to suit the Japanese diet.
Japanese tableware has a much wider variety of shapes than foreign tableware. Knowing the origin and differences between them may make your choice of tableware even more enjoyable.
There seems to be no clear rule for the name of each shape, so different manufacturers and makers may use different names for similar shapes and uses.
Today, I have done a little research on the relatively large number of “plates,” so please bear with me.

A flat or shallow dish used mainly for serving main and side dishes.
It corresponds to a “plate” of Western tableware. Depending on the size, there are different types of plates, such as mame-dasai (salt dishes), small plates, medium plates, and large plates. The terminology also varies depending on the shape.

Round plate” is a plate with a regular circle. It is a standard shape among plates and can be used for a wide range of purposes. Oval-shaped plates are called “oval plates.
KAKU-DARA” square, rectangular, octagonal, or other square-shaped dishes. Horizontal dishes are indispensable for serving dishes with distinctive shapes, and are especially suitable for grilled fish.
Rimmed plate” is a plate with a raised rim. In Western tableware, it is called a “rimmed plate.
Deep dish” A deep dish with a slightly raised rim.
It is not as deep as a bowl, but it can hold some soup, so it is useful for serving simmered dishes.
Rim-taka-dish” A dish with a flat center and a high rim.
It is a shape that makes it easy to serve food. It is recommended for serving a variety of dishes on a single plate.
Namasu Dish” is a slightly deep dish of around 5″ in diameter, created in the Edo period to serve “Namasu”, a dish of finely chopped raw meat, fish, or vegetables with vinegar.
There are so many different names for the word “plate” alone.

Size is one of the most important factors in selecting dishes. In Japanese tableware, regardless of shape or depth, the size of a round dish is expressed as “sun (or no.)”.
The “sun” unit, which is not so familiar to us today, is a unit of the shaku-kan-bo system, which has been used since ancient times to express size (length) using the human body.
One “sun” is approximately 3.03 cm.
This is about the length of a thumb, which is 1/10 of 1 shaku. Incidentally, 1 shaku is 30.303 cm, or about the length from the tip of a finger to the elbow.
Depending on the size, there are different types of plates, such as mame-dara (salt dish), small dish, medium dish, and large dish.

If you are like me and don’t know which one to buy (laugh), it is a good idea to start by buying a 7″ plate as a main dish and a 5″ plate as a side dish. From there, you can increase the number of bean dishes, buy more 6″ plates between the 7″ and 5″ plates, buy square plates that are not round, or buy rinka plates with gorgeous edges, and so on.
I would like to tighten my purse strings, but looking at so many cute plates, I feel it is getting dangerous, so I’ll leave it at that for today.
See you later.

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みなさまこんにちは、スタッフYでございます。

先日3月27日は「さくらの日」だったようですね。ですが、今年はどうもこの寒気の影響でしょうか、9日ほど開花宣言が遅れているようです。先日はやっと愛媛・松山市や福岡市で開花の発表されたようですが、列島が開花ラッシュとなるのはまだまだのようですね。（待ち遠しい…）

開花宣言が遅れているということなので、東京では飲食店や人力車の仕事に“サクラショック”の影響が出ているようです。また、今週末にすでに花見の予定の決まっているグループですと、固い蕾の桜の下での宴会になりそうでちょっと残念と思っている方もおいででしょうが、入学式などにはベストなタイミングに桜の写真が撮れそうな気がいたしますね。この時期、桜の開花に翻弄されるとは、これも日本ならではなのでしょうか笑。

弊店でも4月5,6,7,日「器と骨董展」を開催を予定しております。また、同日にご近所の覚王山祭りも開催されてますので、その頃桜が満開であってほしいな…と、ひそかに願っております。なにかいい願掛けはないでしょうか…。

と、いうわけで通常のブログに戻っていきましょう。

さてさて、先日釣燈籠なるものがお店に登場いたしました。つい最近のブログにおいて個人的な古い物の楽しみ方をつぶやいていたのでのすが、まさにそのとおりの古い物でありました。

時代を飛び越えて佇まう古い物は、逆に現代の空間や生活に知らず知らず上手に馴染んでいるように見える模範のような釣燈籠でして。空間が一気に面白くなるんですよ、しかも自然に。

そんな釣燈籠、改めて眺めてみますと面白い存在です。

平安時代の絵巻にはすでに宮中の清涼殿に釣灯籠を掛けた画面があったり、社寺以外でも古くから使用されておりますので、その歴史は古いようですが、特に有名なものはご存知春日大社や厳島神社の回廊の軒に吊下げた献灯でしょうか。

また、社寺に奉納する風習は平安時代頃からあったようでして、そういえば先日訪れた東大寺の二月堂にもあった大きな釣燈籠にも奉納者のお名前が記しておりました。あちらも献灯でしょう。

在銘の遺品としては岐阜県の長滝寺に献灯された，元応1 (1319) 年作の『鍛鉄釣灯籠』 (重文，京都国立博物館) が最古の現存の釣燈籠のようです。また、鋳銅のものとしては厳島神社の正平 21＝貞治5 (66) 年作が古いもののようです。たしか数年前に厳島神社に訪れたのですが、全く記憶に残っておりませんで、なんとも勿体ないことをしております。

また、材質は銅，鉄，木材で、それぞれ工芸的手法で装飾が施されておりますが、なによりそのデザインが意外と自由でチャーミングなこと、そしてその細工の細やかさには驚きます。さらに、それらに灯がともると、暗闇に細工が浮かび上がり、灯に暖かさが生まれてきます。

残念なことに、この釣燈籠に灯は灯せないのですが、少し目を閉じ、そこに暖かい灯が灯った燈籠を勝手に思い浮かべてみるのですが、どことなく気持ちだけは暖かくなってくるような…。

脳内で勝手に点灯するのは自由のようですので、勝手に点灯して空間を面白くしてみたいと思います。

それではごきげんよう。

Hello everyone, this is Staff Y.

The other day, March 27th, was “Cherry Blossom Day”. However, this year, the declaration of blooming has been delayed by about 9 days, probably due to the cold weather. The other day, Matsuyama City in Ehime and Fukuoka City finally announced the blooming of cherry blossoms, but it seems that the archipelago is not yet in the blooming rush. (I can’t wait…)

The delay in declaring the cherry blossoms has apparently caused a “sakura shock” for restaurants and rickshaw operators in Tokyo. Some people who have already made plans to go cherry blossom viewing this weekend may be disappointed to find that they will be having a party under the hard buds of the cherry blossoms. Is this a uniquely Japanese thing to be at the mercy of the cherry blossoms at this time of the year?

We are planning to hold the “Vessels and Antiques Exhibition” on April 5, 6, and 7. I am secretly hoping that the cherry blossoms will be in full bloom at the time of the Kakuozan Festival, which will be held on the same day in our neighborhood. I am secretly hoping that the cherry blossoms will be in full bloom at that time.

So, let’s get back to the regular blog.
Well, a few days ago, a new type of lantern appeared in our store. In a recent blog entry, I wrote about how I personally enjoy old things, and this is exactly what I meant.
This tsuritonro is an example of how an old object that has jumped over time seems to fit in well with the modern space and life without knowing it. The space becomes interesting at once, and naturally.
Tsuri Lanterns are interesting to look at again.

Tsuri-toro lanterns have a long history, with scrolls from the Heian period (794-1185) showing tsuri-toro hanging in the Seiryoden (a traditional Japanese-style room for enjoying the cool of the evening) at court, and they have also been used outside of shrines and temples for a long time.
The custom of offering votive lanterns to shrines and temples seems to have existed since around the Heian period (794-1185), and come to think of it, there was a large hanging lantern in the Nigatsudo Hall of Todaiji Temple that we visited the other day with the name of the dedicator on it. It was probably a votive lantern as well.

The oldest surviving tsuriton lantern with an inscription is the “Wrought Iron Tsuriton” (heavy cultural property, Kyoto National Museum), made in 1319 and dedicated to Chotakuji Temple in Gifu Prefecture. The oldest cast bronze lantern is a “Wrought Iron Fishing Lantern” dated 1319 (Important Cultural Property, Kyoto National Museum), which was made at Itsukushima Shrine in Shohei 21 (66). I visited Itsukushima Shrine several years ago, but I have no memory of it, which is a shame.
The materials used are copper, iron, and wood, each decorated in a craft-like manner, but above all, the designs are surprisingly free and charming, and the craftsmanship is very detailed. When lit, these lamps give off a warm glow in the darkness.

Unfortunately, you cannot light these lanterns, but if you close your eyes for a moment and try to imagine the lanterns with warm lights on them, you will somehow feel warmer.

It seems that I am free to light the lanterns in my brain, so I would like to light them on my own to make the space more interesting.

Have a good day.

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みなさまこんにちは、スタッフYでございます。

ここ名古屋、やっと快晴になり、行き来する人や車も慌ただしく渋滞に何度も遭遇しながら出勤いたしました。朝からそんな春の慌ただしさを感じておりますが、皆さまの地域の春の様子はいかがでしょうか。

さて、来月4月5,6,7日の「器と骨董展」開催にあたり、本日も器のお勉強しておりまして、本日は茶道具のお勉強をしようかなと思いたちました。少しお付き合いくださいませ。

ところで、ここ尾張名古屋は、抹茶を楽しむ習慣がひろく浸透した土地柄であることから「茶どころ名古屋」とも称されていることはご存知かと思いますが、それ故、瀬戸や常滑をはじめ、名古屋城内の御庭焼や城下町で様々な茶道具が制作されてきました。

なかでも楽焼は当地独自の個性がみられ、江戸時代後期の萩山焼や宗玄焼、豊楽焼などといった流れとなっていき、地元名古屋では八事窯の中村道年へと引き継がれ、今日に至っております。

八事窯の存在も気になりますが、まずは初代中村道年についてみていきましょう。

初代道年（明治９～昭和12年（1876～1937））、実は京都の南山城富野庄出身なのですが、全国各地で修行し京焼・楽焼はいうまでもなく高麗茶碗写し、染付などさまざまな種類の陶磁器の製法を身につけており、師事した作家は清水六兵衛（3年）・四代高橋道八（5年）・粟田口帯山（2年）・真清水蔵六（3年）などがおり、さまざまな師匠から学んだようであります。

その後、北陸地方、中国地方に渡り、舞子浜にて有栖川威仁親王のもとに滞在し楽焼を作陶し、東海地方、朝鮮半島から中国の窯業地に渡り、ここ名古屋に戻ったといいますが辿り着きます。そして名古屋では豊楽に立ち寄った後に知遇を得た森川如春庵から師定三代高松定一を紹介されます。

同氏の全面的な支援を得て八事南山に住居を提供され、登り窯や楽焼窯を築き作陶三昧の日々を送ったようであります。

作域は広く、色絵陶・楽焼・伊賀写し・三島・御本・刷毛目・伊羅保・染付・赤絵などの伝来の名品にせまる陶磁器を作っているのですが、ここに同氏の作った赤楽茶碗がありますので、少し触ってみますと、とても温かみのある赤に温かみのある肌感が手にすっぽりおさまります。また、いろいろな師匠からの教えもぎゅっとつまったお茶碗なのでしょう。

また、抹茶のあの緑が注がれた際の器の風景がよく似合うな…と想像を掻き立てられます。

それよりなによりお茶を一服いただきなるお茶碗であることは間違いないようです。

お茶碗の拝見の捉え方は難しいように思えますが、こんな捉え方でも許してもらえるでしょうか笑。

それではごきげんよう。

Hello everyone, this is Staff Y.

It has finally cleared up here in Nagoya, and I went to work while encountering many traffic jams with a flurry of people and cars coming and going. I am feeling the rush of spring from this morning, but how is spring in your area?

We are studying tableware today in preparation for the “Vessels and Antiques Exhibition” to be held on April 5, 6, and 7 next month. Today, I thought I would study tea utensils, so please bear with me for a moment.

By the way, as you may know, Owari-Nagoya is also known as “the tea capital of Nagoya” because the custom of enjoying powdered green tea has been widely spread here.

Raku ware, in particular, has its own unique local character, and it was passed on to Hagisan-yaki, Sogen-yaki, and Toyoraku-yaki in the late Edo period, and then to Nakamura Michitoshi of Yagogama in Nagoya, where it has remained to the present day.

While we are interested in the existence of Yagogama, let us first look at Nakamura Doten I.
Doten I (1876-1937) was actually born in Tominosho, Minamiyamashiro, Kyoto, but he trained in various places in Japan and acquired various ceramic techniques, including Kyo-yaki and Raku-yaki, as well as copies of Korai tea bowls and Sometsuke. He studied under various masters, including Shimizu Rokubei (3 years), Takahashi Michihachi IV (5 years), Awataguchi Obiyama (2 years), and Mashimizu Zoroku (3 years).

After that, he traveled to the Hokuriku and Chugoku regions, stayed at Maiko beach under Prince Takehito Arisugawa and made Raku ware, and then traveled to the Tokai region, Korean Peninsula, and Chinese ceramic areas before returning here to Nagoya, where he arrived. In Nagoya, he was introduced to Sadakazu Takamatsu III by Nyoshunan Morikawa, with whom he became acquainted after stopping at Houraku.

With his full support, he was provided with a residence in Yagoto Nanzan, where he built a climbing kiln and a Raku ware kiln and spent his days making pottery.

His range of work is wide, and he has produced ceramics that approach the traditional masterpieces such as Iroe ware, Raku ware, Iga copy, Mishima, Gohon, Hakeme, Iraho, Sometsuke, and Akae (red glaze). It is also a tea bowl that is filled with teachings from various masters.

Also, the scenery of the bowl when the green color of matcha tea is poured into it is very suitable……it stirs my imagination.

It seems to be a tea bowl that makes you want to have a cup of tea more than anything else.

It seems that it is difficult to understand how to look at a tea bowl, but I hope you will forgive me if I look at it this way, lol.

I hope you will forgive me for taking it this way.

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ご実家の整理やお片付けなどをされている方のご相談などが多くございます。

お片付けなどくれぐれもご無理のないようになさってくださいませ。

風光舎では古美術品や骨董品の他にも絵画や宝石、趣味のお品など様々なジャンルのものを買受しております。

お片付けをされていて、こういうものでもいいのかしらと迷われているものでも、どうぞお気軽にご相談下さいませ。

また風光舎は、出張買取も強化しております。ご近所はもちろん、愛知県内、岐阜県、三重県その他の県へも出張いたします。

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みなさまこんにちは、スタッフＴでございます。

本日はあいにくのお天気となりましたが、昨日、全国の気象台のトップを切って、高知県で桜(ソメイヨシノ)の開花が発表されましたね。

昨年は3月23日までに34地点の気象台でソメイヨシノの開花が観測されていたそうなので、今年は各地で昨年よりも遅くなっているようです。

今日は雨ですが、気温もそんなに低くないので、桜の開花を促す雨になりそうです。桜は開花から10日くらいは花がしっかりと付いているため、雨が降ってもすぐに散ってしまうことはほとんどありません。桜は咲き始めてから1週間程度で満開を迎えますので、来週はいよいよお花見が楽しめそうですよ。

日常の中にもピンクや黄色など、春を感じる広告などが溢れてきました。私たち日本人にとっての春「っぽい色」は季節感のある色を表しているのかもしれません。

色についていえば、日本には古来より伝わる伝統色というものがあります。春を表す日本の伝統色には、薄いピンクの「桜色」や、ピンクと赤の中間のような「紅梅色（こうばいいろ）」、薄い黄緑の「若葉色」、明るく鮮やかな黄色の「菜の花色」などがあります。

伝統色とは、和色とも呼ばれることがあり原色とは少し色味が違うという特徴があります。四季のある日本では古来より、草花や木々の色、空や山々の色など、季節によって表情を変える様々な色の変化を楽しんだとされています。美しい自然やそこで育まれた文化が作る微妙な色合いを感じ取り、名前をつけ、生まれたのが伝統色です。

また、色は位を表すものでもありました。律令制において、位によって着る衣服の色（袍の色）が決められ、他の人は着ることが許されなかった色を禁色と言います。禁色に対して、誰でも着ることが許された色を「ゆるし色」と言われました。

禁色としていちばん有名なのは、聖徳太子が定めたと言われる「冠位十二階」の色です。

最も位の高い人が着るのは、「濃紫」（こき）と呼ばれる濃く深い紫であり、最も低い位の色は「黒」でした。中でも薄黒という薄い黒（墨くろのような色）が最下位色でした。

色を濃く染めるには染料がたくさん必要なので、薄い色はどうしても位の低い人が着る色となったのでしょう。同じ紫でも濃紫（こき）に比べ、薄紫（うすき）は位が下がります。

昔はこうして官職によって着る服の色を制定し、その位の人以外は着ることが許されませんでした。

そして、どんなにがんばって立身出世しても、絶対に着ることが許されない「絶対禁色」という色がありす。それが、天皇の袍の色「黄櫨染」（こうろぜん）と、皇太子の袍の色「黄丹」（おうに）です。
今上天皇が「即位礼正殿の儀」でお召しになった金茶色の袍の色を覚えているのではないでしょうか？あの色が「黄櫨染」で、現代においても天皇以外は着ることが許されない日本の禁色です。

テレビでは赤茶や金茶のように映っていましたが、黄櫨染はウルシ科のハゼノキ（櫨）の樹皮と蘇芳から染め出される色で、この色を出すのはとても難しいのだそうです。黄と赤が混ざった茶色で、光の当たり方で赤茶にも黄茶にも見えるのだそうです。聖徳太子が『日出ずる処の天子』と称した太陽を象徴する色です。

時代ごとに色分けは少し違うのかもしれませんが、今ちょうど大河ドラマ「光る君へ」も放送されていますので、その辺りを気にして見るのもまた楽しいかもしれませんね。

ではでは、また。

Hello everyone, this is Staff T.
Unfortunately, today’s weather has been unfortunate, but yesterday, the blooming of cherry blossoms (Someiyoshino) was announced in Kochi Prefecture, leading all weather stations in Japan.

Last year, the blooming of Someiyoshino was observed at 34 weather stations by March 23, so it seems that this year’s blooming is later than last year in many areas.
It is raining today, but the temperature is not that low, so the rain is likely to promote the blooming of the cherry trees. Cherry blossoms are not likely to fall immediately even if it rains because the blossoms are firmly attached for about 10 days after blooming. Cherry blossoms are in full bloom about a week after they start blooming, so next week we will finally be able to enjoy cherry blossom viewing.

Even in our daily lives, we are now filled with pink, yellow, and other spring-inspired advertisements. For us Japanese, “spring-like” colors may represent colors that have a sense of the season.
Speaking of colors, there are traditional colors that have been handed down in Japan since ancient times. Traditional Japanese colors that represent spring include “sakura-iro,” a light pink, “koubai-iro,” a color between pink and red, “wakaba-iro,” a light yellowish green, and “nanohana-iro,” a bright and vivid yellow.

Traditional colors are also called Japanese colors, and are characterized by their slightly different tones from the primary colors. In Japan, which has four distinct seasons, people have long enjoyed the color of flowers and grasses, trees, the sky, and mountains, which change their expressions with the seasons. Traditional colors were created by sensing and naming the subtle hues created by the beautiful nature and culture nurtured there.

Color was also an expression of rank. Under the Ritsuryo system, the color of clothing (robe color) was determined according to rank, and colors that other people were not allowed to wear were called “forbidden colors. In contrast to forbidden colors, colors that anyone was allowed to wear were called “permitted colors.

The most famous forbidden colors are those of the “Twelve Grades of Crown Rank,” which are said to have been established by Prince Shotoku.
The color worn by those of the highest rank was a deep, dark purple called koki, while the color for those of the lowest rank was black. The lowest ranking color was black, and the lowest ranking color was a light black (like sumi-kuro) called usukuro.
Since it takes a lot of dye to dye a color darker, light colors were probably worn by people of lower ranks. Even within the same purple, light purple is lower in rank than dark purple.
In the old days, the color of clothing was determined according to the official position, and only those of that rank were allowed to wear it.

No matter how hard one worked to rise in the ranks, there was one color that was absolutely forbidden. These were korozome, the color of the emperor’s robe, and koutan, the color of the crown prince’s robe.
You may remember the color of the golden-brown robe worn by the current emperor at the accession ceremony. That color is “kirozome,” a color forbidden in Japan, and even today, only the emperor is allowed to wear it.

The color was shown on TV as reddish brown or golden brown, but it is a color produced from the bark of the Japanese sumac tree (Rhus succedanea), which belongs to the poison oak family, and from the Japanese sumac tree, Rhus succedanea, and it is very difficult to produce this color. It is a brown color mixed with yellow and red, and looks reddish brown or yellowish brown depending on the way the light hits it. It is said to be the traditional color symbolizing the sun, which Prince Shotoku called “the child of the rising sun.

The color classification may differ slightly from period to period, but since the historical drama “Hikaru Kimi he” is being broadcast right now, it may be fun to pay attention to that area as well.
So, see you soon.

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みなさまこんにちは、スタッフYでございます。

このところ、街中に卒業式と思しき袴姿や、お花を持った若い方や、親子ずれをなどを見かけます。そう、卒業式なんですね。おめでとうございます。

一時期は、ご時世により卒業式もリモート開催や中止などとになり、本人のみならず誰もが残念に思う時期もあったのですが、こうやって何事もなく晴れ着を着て、晴れ晴れしい表情をした若い人達を拝見しますと、ようやっと通常の景色にもどったのだな…と、実感するのは私だけでしょうか。

そういえば先日、毎年恒例卒業ソングランキングをTVでやっていたのですが、もちろん自分の頃の卒業ソングはすっかり消え去っております。また、そのころの記憶も、とうに消え去っているのですが、今の若い人たちが好きな卒業ソングも世代は違ってもなかなかいい曲だな、と、先日もいろいろSpotifyで検索して再度聞きなおしたりしておりました。

それにしても卒業式当日の記憶云々こそ消え去っているのですが、寒さの中に少し暖かくなった日差しが入り混じって、その中に不安や寂しさや期待がいろいろ入り味ったもやもやした感覚だけはなぜか残っており、若かりし頃の自分にちょっと問うてみたいのですが、何を思っていたのでしょうね。

今年卒業される若い皆様もきっとそのような気持ちでいるのかと思いますが、とうに過ぎ去った大人が振り返りますと、全部ひっくるめてその感覚は『希望』の一言だったように今なら思えます。

どうかその感覚をいつまでも忘れないで、次のステージへ進んでほしいものです。

それではごきげんよう。

Hello everyone, this is Staff Y.

Recently, we have been seeing many young people in hakama (traditional Japanese male formal attire), some carrying flowers, and some with their parents and children, who seem to be celebrating their graduation. Yes, it is a graduation ceremony. Congratulations!

There was a time when graduation ceremonies were held remotely or cancelled due to the current situation, and everyone felt disappointed, not only the students themselves, but also everyone else, Am I the only one who feels that we are finally back to normal?

The other day, the annual ranking of graduation songs was shown on TV, and of course, the graduation songs of my own time have all but disappeared. Of course, the graduation songs of my own time have all but disappeared, and my memories of those days have long since faded as well, but I was thinking the other day that the graduation songs that young people like today are also quite good, even if they are from a different generation, and I was searching for them on Spotify and listening to them again.
The memories of the day of graduation are gone, but somehow I still have a hazy feeling of anxiety, loneliness, and anticipation in the cold mixed with a little warmth of the sun. I wonder what I was thinking when I was young.

I would like to ask myself what I was thinking when I was young, but I wonder what I was thinking. I am sure that the young people who are graduating this year are feeling the same way, but looking back on it as an adult who has long since passed away, I can now see that all together, that feeling was one word: “hope.

I hope that you will never forget that feeling and move on to the next stage.

Have a good day.

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みなさまこんにちは、スタッフＴでございます。

寒さは感じるものの、いよいよ桜の開花も進みそうで楽しみです。

さて、風光舎に新しく仲間入りしたこちらは、藤田喬平の作品。鮮やかなブルーにころんとした丸い形は、思わず手に取りたくなる可愛らしさです。こちらは花瓶でしょうか。徳利として使うのもよいかもしれません。

日本を代表するガラス作家である藤田喬平は、色ガラスに金箔を混ぜた「飾筥(かざりばこ)」や「ベネチアン・グラスの」花瓶など、伝統的な技法を現代感覚でよみがえらせた作品で知られる作家です。世界的にも高く評価され、平成14年文化勲章も受章しました。

藤田喬平は1921年東京に生まれ、40年に東京美術学校（現東京藝術大学）工芸科に入り彫金を学びます。卒業後は岩田工芸硝子に入社しますが、間もなく独立し、ガラス作家としての道に進みます。64年には流動するガラスのオブジェ「虹彩」を発表し、注目を集めます。

金属を学んだ藤田喬平は、金箔や銀箔をガラスの中に溶かし込む技法を開発し、ガラス工芸の新しい分野を切り拓いていきます。国際的に第一線の作家として認められるきっかけとなったのは、日本の伝統的美意識をガラスという素材によって現代的に蘇らせた作品「飾筥(かざりばこ)」の発表です。

昭和48年に発表されると欧米で大きな反響を呼び「フジタのドリームボックス」の愛称で親しまれ、代名詞となりました。その後もガラス工芸の本場イタリアのベネチアン・グラスやスウェーデンのカット・グラスなどにも挑戦し、ガラス工芸の可能性を追求し続けました。

箱にも書かれております「手吹」とは、 溶けたガラス生地を竿に巻き取り、宙に向かってまわしながら吹き形を整える昔ながらの技法です。

吹きガラスのはじまりは諸説ありますが、紀元前1世紀頃にフェニキアのガラス職人が開発したという説が有名です。

型にガラスを流し込むのではなく、溶解炉などで高温融解したガラスを鉄パイプに巻き取り、口で空気を吹き込んで作るため「吹きガラス」という名前になりました。ガラスをまるで風船のようにふくらませて成型するこの技法は、現在もなお世界中で受け継がれているガラス製造技法の基本となっています。

ガラスの温度やその日の湿度などの環境、息の吹き込み方などの違いによって、一つとして同じ作品にならないのが手吹ガラスの一番の魅力とも言えます。

そもそも、ガラスはなぜ透明なのかというと、ガラス自体が光を吸収せず透過させるため。透過、つまり背景の色を透かすことができ、光に当たるとキラキラと反射させることが出来ます。この透過性が「美しい」という認識に繋がり、ガラスの器は宝物として扱われたり、装飾品の材料としても重宝されてきました。

「ガラス」と耳にしたとき、どんなイメージを思い浮かべますか？その魅力はなんといってもその見た目の良さでしょうか。光を通してきらきらと輝く様子は他にない魅力です。一方で、ぶつけたり落としてしまうと、即座に割れてしまうという繊細さも持ち合わせているのがガラスです。その繊細さが人を引き付ける要因かもしれませんね。

HPやSNS等でお知らせしておりますように古美術風光舎では、来月、４月5，6，7日、ここ覚王山の店舗におきまして『器と骨董展』を開催いたします。これまでブログ等でご紹介してきました器など、一度是非お手に取ってご覧いただけたらと思います。

6，7日は覚王山祭りも開催しておりますので、お祭りの寄り道にふらりとお立ち寄りくださいませ。

ではでは、また

Hello everyone, this is Staff T.
Although it feels cold, we are looking forward to the cherry blossoms finally coming into bloom.

Now, this is a new addition to Fukosha, a work by Kyohei Fujita. The vivid blue color and round shape are so cute that you can’t help but want to pick it up. Is this a vase? It may also be used as a sake cup.

Kyohei Fujita, one of Japan’s leading glass artists, is known for his works that revive traditional techniques with a modern sensibility, such as “Kazari-bako,” which is colored glass mixed with gold leaf, and “Venetian glass” vases. He was awarded the Order of Cultural Merit in 2002.
Kyohei Fujita was born in Tokyo in 1921, and entered the Crafts Department of Tokyo National University of Fine Arts and Music (now Tokyo University of the Arts) in 1940, where he studied metal carving. In 1964, he attracted attention with his “iris,” a flowing glass objet d’art.

After studying metals, Kyohei Fujita developed a technique for fusing gold and silver leaf into glass, opening up a new field of glass art. What led to his international recognition as a leading artist was the release of “Kazari-bako,” a work that revived the traditional Japanese sense of beauty in a modern way using glass as a material.

When it was unveiled in 1973, it made a huge impact in Europe and the United States, where it was nicknamed “Fujita’s Dream Box” and became synonymous with the brand. After that, Fujita continued to pursue the possibilities of glass craft by experimenting with Venetian glass from Italy, the home of glass craft, and cut glass from Sweden.

The “hand-blowing” described on the box is an old-fashioned technique of winding molten glass onto a rod and turning it in the air to form the shape of the blown glass.
There are various theories about the origin of hand-blown glass, but the most famous is that it was developed by Phoenician glassblowers in the 1st century BC.
The name “blown glass” comes from the fact that the glass is not poured into a mold, but is instead melted at high temperatures in a melting furnace, wound around an iron pipe, and blown into the air with a mouth. This technique of forming glass by blowing it up like a balloon is the basis of glassmaking techniques still used around the world today.

The most fascinating aspect of hand-blown glass is that no two pieces are alike, depending on the temperature of the glass, the humidity of the day, and the way the glass is blown.
The reason why glass is transparent is because glass itself does not absorb light but allows it to pass through. Transparency, in other words, allows the colors of the background to shine through, and when it is exposed to light, it can reflect it sparklingly. This transparency leads to the perception of “beauty,” and glass vessels have been treated as treasures and valued as materials for ornaments.

What image comes to mind when you hear the word “glass”? The most appealing thing about glass is its good looks. The way it glitters and shines through the light is uniquely attractive. On the other hand, glass is also delicate and can break instantly if it is bumped or dropped. This delicacy may be the reason why glass attracts people.

As we have announced on our website and SNS, we will be holding an exhibition of “Vessels and Antiques” at our store in Kakuozan on April 5, 6, and 7, 2012. We hope that you will take a look at the vessels that we have been introducing on our blog and other places.
The Kakuozan Festival will be held on the 6th and 7th, so please drop by on your way to the festival.
See you soon!

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風光舎では古美術品や骨董品の他にも絵画や宝石、趣味のお品など様々なジャンルのものを買受しております。

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HPやSNS等でお知らせしておりますように古美術風光舎では、来月、４月5，6，7日、ここ覚王山の店舗におきまして『器と骨董展』を開催いたします。6，7日は覚王山祭りも開催しておりますので、お祭りの寄り道にふらりとお立ち寄りくださいませ。

そんな器展の開催にあたって、自分も少し骨董の器のおさらいをしているのですが、本日は李朝の白磁についての調べものをしております。

李朝の白磁の魅力、一緒に探っていきましょう。

李朝白磁は14世紀から19世紀末期まで続いた李氏朝鮮で作られた白磁のことなのですが、その美しさや希少性の高さから非常に人気が高く、高値で取引されることもある骨董品であります。

朝鮮半島では高麗時代には「高麗青磁」と呼ばれるや青磁が作られ、高麗青磁が衰退すると白い釉薬をかけた「粉青沙器」が作られるなど、古くから陶磁器が盛んに作られておりまして、もとは、中国の元、明の白磁の影響を受けたといわれていますが、時代が経つにつれて独自の発展を遂げ、中国の白磁とは異なる道を辿っていくこととなるのですが。

李氏朝鮮時代の初期に作られていたのは主に粉青沙器でしたが、中国から白磁の技術が伝わると、白く輝くような高貴さや高潔さ、白が持つ純潔のイメージが愛され、朝鮮半島でも次第に白磁が作られるようになりました。（どうやら歴史的には青磁が先に出来上がっていたようですね。）

その結果、16世紀前半になると粉青沙器は姿を消し、17世紀に入る頃には完全に白磁に置き換わりっていきます。李朝白磁は初期のころは焼き上げた白土を上塗りして装飾を施すという技法が用いられていましたが、陶工たちが磁器の鉱石を求めて広州市に移り住み、15世紀に道馬里で官窯が築かれると独自に発展し始めます。

その後、清朝の侵攻の影響で道馬里での白磁製造は衰退しますが、その技術は金沙里にひきつがれ、官窯が作られて質の高い白磁が数多くつくられるようになります。

そして、王朝が衰退しはじめた1752年に金沙里から広州に窯が移転され李朝白磁生産の中心になりますが1883年に窯が民営化されて官窯の歴史は終わり、1910年の日韓併合で李氏朝鮮の時代も終わりとなりました。

それにしても、やはり500年もの歴史の間作られていたのですからその特徴は少しずつことなるようでして。

それぞれ初期、中期、後期の分けられるのですが、李朝白磁が始まった14世紀から道馬里で作られていた16世紀の李朝初期、金沙里で作られていた1700年から1750年頃の李朝中期、1752年に広州に窯が移転した後の李朝後期に分けられます。

初期李朝は焼き上がった時に白い土を上塗りして装飾を施した素朴な品と、白地に酸化コバルトの釉で絵付けを施した品があり、どちらも器体の色が白灰色をしているのが特徴であります。

そして、優れた品が多いといわれる李朝中期になると器体の色が灰白色から乳白色に変わりより美しく変化。後期李朝は中期李朝と似ていますが、中期李朝よりもずっしりとした重みがあるのが特徴となっていき、また、初期や中期は青で絵付けが施されていましたが、後期に入ると赤で絵付けした品も登場してきました。

さすがに500年も作られておりますと、時代によって異なる特徴を持つ李朝白磁なのですが、どの時代においても中国の白磁などに比べると底が厚いという特徴があるようです。

また、器肌が滑らかで手触りがよく、「雪のような」と例えられるほど白く美しいことも大きな特徴。李朝白磁の魅力は、この滑らかな肌と高貴な白さ、どっしりとした重厚感と品格、さらに時代によって異なる装飾や形の特徴、その希少性の高さなどが相まって、昨今気になる存在の器になっていたのでしょうか。

その歪み、厚手のどっしり感、素朴さは、これまで中国渡りのシンメトリーで薄手、上品さが好まれた時代からすると、李朝の雑器は宮廷感覚にはなんとも程遠い仕上りでなのですが、それこそが「完全の美」というよりも「不完全の美」といいましょうか、それらが利休以来の侘び、寂を尊ぶ日本人の心を鷲づかみにしたようですね。現在も当時茶道具なども日本の美術館にたくさん展示されており、李朝白磁への憧れが伝わってきます。

では、なぜにこのような素朴な器になったのか。

一説に李朝時代（約500年間）は仏教にかわり朱子学（儒教）の世となり、抑仏崇儒政策で生活様式が質素を好む思想に一変したからだとも推測されます。

15世紀初頭、焼き物も清潔で簡素な器が主流になり、中でも白磁は王家の器とされ一時期一般国民の白磁器使用を禁じた程でありました。この時代は世界的に陶磁器に白磁が絶対なるあこがれの存在のようでして、その大らかさ、素朴さ、暖かさは李王朝特有の産物であります。

ですが毒殺を恐れた王宮では銀の食器を多岐に採用し、利用頻度の減った陶磁器は進歩、発展を王朝から期待されずにそのままの姿で生き延びたのではとも言われております。

よって、長年、実用一辺倒の焼物が過剰な美意識に毒されることも無く、陶工達の素直な感覚と屈託の無い仕上がりがそのまま今日に至っているということのようですね。

それにしても、500年もの間、こうやってあまり変化することもなく生き延びた武骨な李朝白磁を趣深く手にとることができるとは。何が功を奏るかは長い年月を経てやっとわかることもあるのだな…。などと、その重みが教えてくれたような気がいたしました。

それではごきげんよう。

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I have been doing some research on Yi Dynasty white porcelain today.
Let’s explore the charm of Yi Dynasty white porcelain together.

Yi Dynasty white porcelain is white porcelain produced in the Yi Dynasty Korea, which lasted from the 14th century to the end of the 19th century. It is an antique that is very popular and sometimes traded at a high price because of its beauty and rarity.

In the Korean Peninsula, celadon porcelain called “Goryeo celadon” was produced during the Goryeo Dynasty, and when Goryeo celadon declined, white glazed “powdered celadon” was produced, and ceramics have been actively produced since ancient times.

Originally influenced by the white porcelain of the Yuan and Ming Dynasties in China, it developed its own unique style as time went by and followed a different path from Chinese white porcelain.
In the early Yi Dynasty, white porcelain was mainly made of powdered celadon, but when the technique of white porcelain was introduced from China, white porcelain gradually began to be produced on the Korean peninsula, as people loved the image of nobility and purity that the white color, shining white, had. (Apparently, historically, celadon porcelain was produced first.)
) As a result, in the first half of the 16th century, celadon porcelain disappeared, to be completely replaced by white porcelain by the beginning of the 17th century. In the early days, Yi Dynasty white porcelain used the technique of decorating by painting over fired white clay, but it began to develop on its own after potters moved to Gwangju City in search of porcelain ore, and official kilns were built in Doma-ri in the 15th century.

Although white porcelain production in Doumari declined due to the Qing Dynasty’s invasion, the technique was inherited in Jinshali, where official kilns were built and many high-quality white porcelain pieces were produced.

In 1752, when the dynasty began to decline, the kilns were moved from Geumsari to Gwangju, which became the center of Yi Dynasty white porcelain production, but in 1883, the kilns were privatized, ending the history of the official kilns, and the Yi Dynasty came to an end with the annexation of Korea and Japan in 1910.

However, since the kilns had been produced for 500 years, their characteristics seem to have varied little by little.

They can be divided into the early, middle, and late Yi Dynasty periods: the early Yi Dynasty period from the 14th century, when Yi Dynasty white porcelain was first produced in Doma-ri in the 16th century; the middle Yi Dynasty period from 1700 to 1750, when it was produced in Geumsa-ri; and the late Yi Dynasty period after the kilns were relocated to Gwangju in 1752.

Early Yi Dynasty wares were either rustic, decorated with a white overglaze of clay when fired, or painted with a cobalt oxide glaze on a white ground, both characterized by the white-gray color of the vessel body.

In the mid Yi Dynasty, which is said to have many excellent pieces, the color of the vessel changed from grayish white to milky white, and it became more beautiful.

Late Yi Dynasty wares are similar to those of the Middle Yi Dynasty, but they are heavier and heavier than those of the Middle Yi Dynasty.

As might be expected after 500 years of production, Yi Dynasty white porcelain has different characteristics depending on the period, but in all periods, the bottom is thicker than that of Chinese white porcelain.

Another major characteristic of Yi Dynasty white porcelain is that its surface is smooth to the touch and so beautifully white that it has been likened to “snow. The charm of Yi Dynasty white porcelain is the combination of its smooth skin, noble whiteness, solid massiveness and dignity, as well as the characteristics of its decoration and shape, which vary from period to period, and its rarity, which have made it a vessel of interest in recent times.

The distortion, thick solidity, and simplicity of the Yi dynasty’s miscellaneous vessels are far removed from the courtly sense of beauty from the period when symmetry, thinness, and elegance were favored in the Chinese tradition, but this is the beauty of imperfection rather than the beauty of perfection. It seems to have grabbed the hearts of Japanese people who respected wabi and sabi since the days of Rikyu. Even today, there are many tea ceremony utensils from that period on display in Japanese museums, which shows the admiration for Yi Dynasty white porcelain.

So, why did it become so simple?

One theory is that during the Yi Dynasty (about 500 years), Buddhism was replaced by Zhu Zi (Confucianism), and the lifestyle changed drastically in favor of simplicity due to the policy of suppressing Buddhism and worshipping Confucianism.

In the early 15th century, clean and simple pottery became the mainstream, and white porcelain, in particular, was considered royal vessels, so much so that the use of white porcelain by the general public was banned for a time. White porcelain was considered to be royal vessels, and the use of white porcelain was even forbidden to the general public for a period of time.

However, it is said that the royal court, which feared poisoning, adopted silver tableware for a wide range of uses, and ceramics, which were used less frequently, survived in their original form without the expectation of progress and development from the dynasty.

Therefore, it seems that pottery, which has long been focused on practical use, has not been poisoned by an excessive sense of beauty, and the honest sense and carefree workmanship of the potters have continued to the present day.

It is a rare opportunity to hold in one’s hands the rugged Yi Dynasty white porcelain that has survived for 500 years without much change. It seems that sometimes it is only after a long time that we finally learn what works.

Have a good day.

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みなさまこんにちは、スタッフＴでございます。

朝からの冷たい雨も上がり、名古屋のお天気は回復してまいりました。

雨が降るたびにいつも思います。やはり傘ってあの形が一番なのでしょうか……

みなさまも一度は考えたことがあるかもしれません。私ももれなく子供の頃に考えたことがある「もっと違う形の傘」の発明。手を塞がず、靴がびしょ濡れにならない傘があったらいいなと。そして子供心に、なぜ傘は昔から形がほとんど変わらないのだろうか…と思っておりました。

調べてみますと、傘の起源は、遥か4000年も前にあったとされています。 古代ギリシャでは、高貴な身分の人が従者に持たせて歩いたそうで、当初は主に日除けとして用いられました。 開いたり閉じたりすることができる、画期的な開閉式の傘（日傘）が誕生したのは13世紀のイタリアと言われています。
その後、スペイン、ポルトガル、フランスなどヨーロッパに広がっていき、多くの貴婦人に愛用され、18世紀頃にはイギリスで現在の構造（開閉式）の日傘が開発されましたが、雨が降っても傘はささずに濡れていたそうです。1928年にはドイツで折りたたみ傘が登場しました。
日本でも江戸から明治時代の普及当初は、主に日射を避ける日傘として用いられていましたが、その後日本独自の構造的進化も見られ、雨に対して使うことが多くなっていったということです。

雨や雪、直射日光などが当たらないように頭に被る道具「かさ」として、日本で最も古くに登場したのは、「かぶりがさ」として知られる笠。 最古の歴史書である「日本書紀」に登場し、古墳時代には笠をかぶった埴輪なども残されているようです。
材料は、イグサ、ヒノキ、竹などが使われ、現在も屋外の労働に、雨や日除けとして広く東南アジア各地でも使用されているものだそうです。 一方、軸を中心に頭の上に広げる「傘」が日本に伝来した時期については詳しく分かっていませんが、古墳時代の後期、欽明天皇の時代には、百済から仏具の傘（天蓋）が日本に献上された記録が残っているようです。

平安時代以降には製紙や竹細工の技術の進歩によって、和紙に油を塗り防水性をもたせ、さらに開閉できる「和傘」がつくられるようになりました。
和傘は柿渋や油などを塗って防水加工した和紙などが用いられています。 その和紙を数十本の骨組みで支える構造で、柄と骨部分には主に竹や木が使用されています。
種類としては、番傘（ばんがさ）や蛇の目傘（じゃのめがさ）、端折傘（つまおれがさ）などが日本で広く知られています。

日本に「洋傘」が持ち込まれた当初の江戸時代の傘は、とても高価なため、一般庶民には手の出せない代物で、使用していたのは、武家、医師、洋学者といった一部の人たちでした。

明治時代に入ると、文明開化とともに洋傘も普及し始め、明治元年（1868年）に刊行された江戸（東京）の地誌「武江年表」には、「庶民にも洋傘が普及し始めた」ことが記されています。

1900年代、傘は進化を遂げます。1928年、ドイツのハンス・ハウプトが折りたたみ傘を発案しました。世界的に大ヒットをおさめた折りたたみ傘は、現在世界でもっともメジャーな傘のスタイルとなりました。その後、浅草の傘メーカー「ホワイトローズ」が、1958年にビニール傘を発明。国内で人気を博したビニール傘は1964年の東京オリンピックを機に世界へと名を馳せることとなりました。

ほとんど形が変わっていないと思っておりました「傘」ですが、画期的な傘がありました。

閉じている時は普通の傘と変わらないのに、開くと後ろ側だけ長い傘があるのです。形のイメージとしては、保育園の園児たちが被っているカラー帽子のように首までカバーできるイメージです。

丸い傘ですと、実質半分の面積しか使えず、背中や鞄がはみ出て濡れてしまいがちですが、後ろ部分が伸びているので、背中や鞄が濡れずにすむという画期的な傘です。いつもそう思っていたので、それを具体化して商品化された開発者の方に拍手を送りたくなる気持ちになりました。

他にも、濡れた傘をくるくると纏める時の、手が濡れる煩わしさを解消する「ベルトで留めなくて良い傘」や、「閉じたときに濡れた部分が内側になる」というユニークな傘もありましたよ。

もしかしたら、今後もっと進化した傘に出会えるかもしれませんね。

ではでは、また。

Hello everyone, this is Staff T.
The cold rain from this morning has stopped and the weather in Nagoya has recovered.
Whenever it rains, I always think, “I wonder if umbrellas are the best in that shape. I wonder if that shape is the best for umbrellas. ……

You may have thought about this at least once. I too have thought about the invention of a “different shaped umbrella” when I was a child. I thought it would be nice to have an umbrella that didn’t block my hands and didn’t get my shoes soaking wet. And in my childish mind, I wondered why umbrellas have remained almost unchanged in shape since ancient times….

Research shows that umbrellas originated as far back as 4,000 years ago. In ancient Greece, it is said that people of noble rank walked around with it carried by their attendants, and it was initially used mainly as a sunshade. It is said that it was in Italy in the 13th century that the revolutionary retractable umbrella (parasol), which could be opened and closed, was born.
In 1928, the folding umbrella was introduced in Germany.

In Japan, when it first became popular in the Edo and Meiji periods, it was mainly used as a parasol to protect the wearer from the sun, but later, with the evolution of Japan’s unique structure, it was used more and more against rain.

As a “kasa,” a tool worn over the head to protect it from rain, snow, and direct sunlight,
The earliest kasa to appear in Japan was the kasa known as the kaburi-gasa. It appears in the oldest history book, “Nihon Shoki (Chronicles of Japan),” and haniwa (clay figurines) with kasa headgear were also found in the Kofun period.
The materials used for the kasa include Igusa (rush grass), cypress, and bamboo, and it is still widely used in Southeast Asia for outdoor work and as a protection from rain and sun. On the other hand, it is not known in detail when the umbrella, which is spread over the head around a shaft, was introduced to Japan, but there is a record that a Buddhist umbrella (canopy) was presented to Japan from Baekje during the reign of Emperor Kinmei in the late Kofun period.

After the Heian period (794-1185), advances in papermaking and bamboo crafting techniques led to the production of “wagasa,” a waterproof umbrella made of Japanese paper coated with oil that could be opened and closed.
Wagasa is made of waterproofed Japanese paper coated with persimmon tannin or oil. The handle and bones are mainly made of bamboo or wood.
The most widely known types of umbrellas in Japan are the bangasa, the janomezasa, and the tsumaoregasa.

When Western-style umbrellas were first introduced to Japan in the Edo period (1603-1868), they were so expensive that the general public could not afford them, and only a few people such as samurai families, doctors, and Western scholars used them.
In the Meiji era (1868), Western-style umbrellas began to spread with the civilization’s opening to the outside world, and “Takeh Nenpyo,” a geographical journal of Edo (Tokyo) published in the first year of Meiji (1868), states that “Western-style umbrellas began to spread among the general public.

In the 1900s, the umbrella evolved: in 1928, Hans Haupt of Germany invented the folding umbrella. The folding umbrella became a worldwide hit and is now the most popular umbrella style in the world. Later, the Asakusa umbrella manufacturer White Rose invented the vinyl umbrella in 1958. The vinyl umbrella, which gained popularity in Japan, became famous around the world after the 1964 Tokyo Olympics.

I had thought that the shape of umbrellas had hardly changed, but there is an epoch-making umbrella.
When closed, it is no different from an ordinary umbrella, but when opened, it has a long umbrella only on the back side. The image of the shape is that of a colored hat worn by children at a nursery school, which covers the whole of the child’s neck.

A round umbrella can only cover half the area, and the back or bag tends to get wet. I always thought so, so I felt inclined to applaud the developer for materializing and commercializing it.
There are also unique umbrellas that “do not require a belt to fasten” to eliminate the hassle of wet hands when wrapping wet umbrellas, and “the wet part becomes the inside when closed”.
Perhaps we will see more advanced umbrellas in the future.

See you soon.

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