みなさまこんにちは、スタッフYでございます。

 

先日3月27日は「さくらの日」だったようですね。ですが、今年はどうもこの寒気の影響でしょうか、9日ほど開花宣言が遅れているようです。先日はやっと愛媛・松山市や福岡市で開花の発表されたようですが、列島が開花ラッシュとなるのはまだまだのようですね。（待ち遠しい…）

 

開花宣言が遅れているということなので、東京では飲食店や人力車の仕事に“サクラショック”の影響が出ているようです。また、今週末にすでに花見の予定の決まっているグループですと、固い蕾の桜の下での宴会になりそうでちょっと残念と思っている方もおいででしょうが、入学式などにはベストなタイミングに桜の写真が撮れそうな気がいたしますね。この時期、桜の開花に翻弄されるとは、これも日本ならではなのでしょうか笑。

 

弊店でも4月5,6,7,日「器と骨董展」を開催を予定しております。また、同日にご近所の覚王山祭りも開催されてますので、その頃桜が満開であってほしいな…と、ひそかに願っております。なにかいい願掛けはないでしょうか…。

 

と、いうわけで通常のブログに戻っていきましょう。

 

 

 

 

さてさて、先日釣燈籠なるものがお店に登場いたしました。つい最近のブログにおいて個人的な古い物の楽しみ方をつぶやいていたのでのすが、まさにそのとおりの古い物でありました。

 

時代を飛び越えて佇まう古い物は、逆に現代の空間や生活に知らず知らず上手に馴染んでいるように見える模範のような釣燈籠でして。空間が一気に面白くなるんですよ、しかも自然に。

 

そんな釣燈籠、改めて眺めてみますと面白い存在です。

 

平安時代の絵巻にはすでに宮中の清涼殿に釣灯籠を掛けた画面があったり、社寺以外でも古くから使用されておりますので、その歴史は古いようですが、特に有名なものはご存知春日大社や厳島神社の回廊の軒に吊下げた献灯でしょうか。

また、社寺に奉納する風習は平安時代頃からあったようでして、そういえば先日訪れた東大寺の二月堂にもあった大きな釣燈籠にも奉納者のお名前が記しておりました。あちらも献灯でしょう。

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

在銘の遺品としては岐阜県の長滝寺に献灯された，元応1 (1319) 年作の『鍛鉄釣灯籠』 (重文，京都国立博物館) が最古の現存の釣燈籠のようです。また、鋳銅のものとしては厳島神社の正平 21＝貞治5 (66) 年作が古いもののようです。たしか数年前に厳島神社に訪れたのですが、全く記憶に残っておりませんで、なんとも勿体ないことをしております。

 

また、材質は銅，鉄，木材で、それぞれ工芸的手法で装飾が施されておりますが、なによりそのデザインが意外と自由でチャーミングなこと、そしてその細工の細やかさには驚きます。さらに、それらに灯がともると、暗闇に細工が浮かび上がり、灯に暖かさが生まれてきます。

 

 

 

 

残念なことに、この釣燈籠に灯は灯せないのですが、少し目を閉じ、そこに暖かい灯が灯った燈籠を勝手に思い浮かべてみるのですが、どことなく気持ちだけは暖かくなってくるような…。

脳内で勝手に点灯するのは自由のようですので、勝手に点灯して空間を面白くしてみたいと思います。

 

それではごきげんよう。

 

 

Hello everyone, this is Staff Y.

The other day, March 27th, was “Cherry Blossom Day”. However, this year, the declaration of blooming has been delayed by about 9 days, probably due to the cold weather. The other day, Matsuyama City in Ehime and Fukuoka City finally announced the blooming of cherry blossoms, but it seems that the archipelago is not yet in the blooming rush. (I can’t wait…)

 

The delay in declaring the cherry blossoms has apparently caused a “sakura shock” for restaurants and rickshaw operators in Tokyo. Some people who have already made plans to go cherry blossom viewing this weekend may be disappointed to find that they will be having a party under the hard buds of the cherry blossoms. Is this a uniquely Japanese thing to be at the mercy of the cherry blossoms at this time of the year?

 

We are planning to hold the “Vessels and Antiques Exhibition” on April 5, 6, and 7. I am secretly hoping that the cherry blossoms will be in full bloom at the time of the Kakuozan Festival, which will be held on the same day in our neighborhood. I am secretly hoping that the cherry blossoms will be in full bloom at that time.

 

So, let’s get back to the regular blog.
Well, a few days ago, a new type of lantern appeared in our store. In a recent blog entry, I wrote about how I personally enjoy old things, and this is exactly what I meant.
This tsuritonro is an example of how an old object that has jumped over time seems to fit in well with the modern space and life without knowing it. The space becomes interesting at once, and naturally.
Tsuri Lanterns are interesting to look at again.

 

Tsuri-toro lanterns have a long history, with scrolls from the Heian period (794-1185) showing tsuri-toro hanging in the Seiryoden (a traditional Japanese-style room for enjoying the cool of the evening) at court, and they have also been used outside of shrines and temples for a long time.
The custom of offering votive lanterns to shrines and temples seems to have existed since around the Heian period (794-1185), and come to think of it, there was a large hanging lantern in the Nigatsudo Hall of Todaiji Temple that we visited the other day with the name of the dedicator on it. It was probably a votive lantern as well.

 

The oldest surviving tsuriton lantern with an inscription is the “Wrought Iron Tsuriton” (heavy cultural property, Kyoto National Museum), made in 1319 and dedicated to Chotakuji Temple in Gifu Prefecture. The oldest cast bronze lantern is a “Wrought Iron Fishing Lantern” dated 1319 (Important Cultural Property, Kyoto National Museum), which was made at Itsukushima Shrine in Shohei 21 (66). I visited Itsukushima Shrine several years ago, but I have no memory of it, which is a shame.
The materials used are copper, iron, and wood, each decorated in a craft-like manner, but above all, the designs are surprisingly free and charming, and the craftsmanship is very detailed. When lit, these lamps give off a warm glow in the darkness.

 

Unfortunately, you cannot light these lanterns, but if you close your eyes for a moment and try to imagine the lanterns with warm lights on them, you will somehow feel warmer.

 

It seems that I am free to light the lanterns in my brain, so I would like to light them on my own to make the space more interesting.

 

Have a good day.

 

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ご実家の整理やお片付けなどをされている方のご相談などが多くございます。

お片付けなどくれぐれもご無理のないようになさってくださいませ。

風光舎では古美術品や骨董品の他にも絵画や宝石、趣味のお品など様々なジャンルのものを買受しております。

お片付けをされていて、こういうものでもいいのかしらと迷われているものでも、どうぞお気軽にご相談下さいませ。

また風光舎は、出張買取も強化しております。ご近所はもちろん、愛知県内、岐阜県、三重県その他の県へも出張いたします。

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みなさまこんにちは、スタッフYでございます。

 

 

 

 

ここ名古屋、やっと快晴になり、行き来する人や車も慌ただしく渋滞に何度も遭遇しながら出勤いたしました。朝からそんな春の慌ただしさを感じておりますが、皆さまの地域の春の様子はいかがでしょうか。

 

さて、来月4月5,6,7日の「器と骨董展」開催にあたり、本日も器のお勉強しておりまして、本日は茶道具のお勉強をしようかなと思いたちました。少しお付き合いくださいませ。

 

 

ところで、ここ尾張名古屋は、抹茶を楽しむ習慣がひろく浸透した土地柄であることから「茶どころ名古屋」とも称されていることはご存知かと思いますが、それ故、瀬戸や常滑をはじめ、名古屋城内の御庭焼や城下町で様々な茶道具が制作されてきました。

なかでも楽焼は当地独自の個性がみられ、江戸時代後期の萩山焼や宗玄焼、豊楽焼などといった流れとなっていき、地元名古屋では八事窯の中村道年へと引き継がれ、今日に至っております。

 

八事窯の存在も気になりますが、まずは初代中村道年についてみていきましょう。

 

初代道年（明治９～昭和12年（1876～1937））、実は京都の南山城富野庄出身なのですが、全国各地で修行し京焼・楽焼はいうまでもなく高麗茶碗写し、染付などさまざまな種類の陶磁器の製法を身につけており、師事した作家は清水六兵衛（3年）・四代高橋道八（5年）・粟田口帯山（2年）・真清水蔵六（3年）などがおり、さまざまな師匠から学んだようであります。

 

その後、北陸地方、中国地方に渡り、舞子浜にて有栖川威仁親王のもとに滞在し楽焼を作陶し、東海地方、朝鮮半島から中国の窯業地に渡り、ここ名古屋に戻ったといいますが辿り着きます。そして名古屋では豊楽に立ち寄った後に知遇を得た森川如春庵から師定三代高松定一を紹介されます。

 

同氏の全面的な支援を得て八事南山に住居を提供され、登り窯や楽焼窯を築き作陶三昧の日々を送ったようであります。

作域は広く、色絵陶・楽焼・伊賀写し・三島・御本・刷毛目・伊羅保・染付・赤絵などの伝来の名品にせまる陶磁器を作っているのですが、ここに同氏の作った赤楽茶碗がありますので、少し触ってみますと、とても温かみのある赤に温かみのある肌感が手にすっぽりおさまります。また、いろいろな師匠からの教えもぎゅっとつまったお茶碗なのでしょう。

 

また、抹茶のあの緑が注がれた際の器の風景がよく似合うな…と想像を掻き立てられます。

それよりなによりお茶を一服いただきなるお茶碗であることは間違いないようです。

 

お茶碗の拝見の捉え方は難しいように思えますが、こんな捉え方でも許してもらえるでしょうか笑。

 

それではごきげんよう。

 

 

 

 

Hello everyone, this is Staff Y.

 

It has finally cleared up here in Nagoya, and I went to work while encountering many traffic jams with a flurry of people and cars coming and going. I am feeling the rush of spring from this morning, but how is spring in your area?

 

We are studying tableware today in preparation for the “Vessels and Antiques Exhibition” to be held on April 5, 6, and 7 next month. Today, I thought I would study tea utensils, so please bear with me for a moment.

 

By the way, as you may know, Owari-Nagoya is also known as “the tea capital of Nagoya” because the custom of enjoying powdered green tea has been widely spread here.

 

Raku ware, in particular, has its own unique local character, and it was passed on to Hagisan-yaki, Sogen-yaki, and Toyoraku-yaki in the late Edo period, and then to Nakamura Michitoshi of Yagogama in Nagoya, where it has remained to the present day.

 

While we are interested in the existence of Yagogama, let us first look at Nakamura Doten I.
Doten I (1876-1937) was actually born in Tominosho, Minamiyamashiro, Kyoto, but he trained in various places in Japan and acquired various ceramic techniques, including Kyo-yaki and Raku-yaki, as well as copies of Korai tea bowls and Sometsuke. He studied under various masters, including Shimizu Rokubei (3 years), Takahashi Michihachi IV (5 years), Awataguchi Obiyama (2 years), and Mashimizu Zoroku (3 years).

 

After that, he traveled to the Hokuriku and Chugoku regions, stayed at Maiko beach under Prince Takehito Arisugawa and made Raku ware, and then traveled to the Tokai region, Korean Peninsula, and Chinese ceramic areas before returning here to Nagoya, where he arrived. In Nagoya, he was introduced to Sadakazu Takamatsu III by Nyoshunan Morikawa, with whom he became acquainted after stopping at Houraku.

 

With his full support, he was provided with a residence in Yagoto Nanzan, where he built a climbing kiln and a Raku ware kiln and spent his days making pottery.

 

His range of work is wide, and he has produced ceramics that approach the traditional masterpieces such as Iroe ware, Raku ware, Iga copy, Mishima, Gohon, Hakeme, Iraho, Sometsuke, and Akae (red glaze). It is also a tea bowl that is filled with teachings from various masters.

 

Also, the scenery of the bowl when the green color of matcha tea is poured into it is very suitable……it stirs my imagination.

 

It seems to be a tea bowl that makes you want to have a cup of tea more than anything else.

 

It seems that it is difficult to understand how to look at a tea bowl, but I hope you will forgive me if I look at it this way, lol.

 

 

I hope you will forgive me for taking it this way.

 

 

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みなさまこんにちは、スタッフＴでございます。

 

 

本日はあいにくのお天気となりましたが、昨日、全国の気象台のトップを切って、高知県で桜(ソメイヨシノ)の開花が発表されましたね。

昨年は3月23日までに34地点の気象台でソメイヨシノの開花が観測されていたそうなので、今年は各地で昨年よりも遅くなっているようです。

今日は雨ですが、気温もそんなに低くないので、桜の開花を促す雨になりそうです。桜は開花から10日くらいは花がしっかりと付いているため、雨が降ってもすぐに散ってしまうことはほとんどありません。桜は咲き始めてから1週間程度で満開を迎えますので、来週はいよいよお花見が楽しめそうですよ。

 

 

 

日常の中にもピンクや黄色など、春を感じる広告などが溢れてきました。私たち日本人にとっての春「っぽい色」は季節感のある色を表しているのかもしれません。

 

色についていえば、日本には古来より伝わる伝統色というものがあります。春を表す日本の伝統色には、薄いピンクの「桜色」や、ピンクと赤の中間のような「紅梅色（こうばいいろ）」、薄い黄緑の「若葉色」、明るく鮮やかな黄色の「菜の花色」などがあります。

伝統色とは、和色とも呼ばれることがあり原色とは少し色味が違うという特徴があります。四季のある日本では古来より、草花や木々の色、空や山々の色など、季節によって表情を変える様々な色の変化を楽しんだとされています。美しい自然やそこで育まれた文化が作る微妙な色合いを感じ取り、名前をつけ、生まれたのが伝統色です。

 

また、色は位を表すものでもありました。律令制において、位によって着る衣服の色（袍の色）が決められ、他の人は着ることが許されなかった色を禁色と言います。禁色に対して、誰でも着ることが許された色を「ゆるし色」と言われました。

禁色としていちばん有名なのは、聖徳太子が定めたと言われる「冠位十二階」の色です。

最も位の高い人が着るのは、「濃紫」（こき）と呼ばれる濃く深い紫であり、最も低い位の色は「黒」でした。中でも薄黒という薄い黒（墨くろのような色）が最下位色でした。

色を濃く染めるには染料がたくさん必要なので、薄い色はどうしても位の低い人が着る色となったのでしょう。同じ紫でも濃紫（こき）に比べ、薄紫（うすき）は位が下がります。

昔はこうして官職によって着る服の色を制定し、その位の人以外は着ることが許されませんでした。

 

そして、どんなにがんばって立身出世しても、絶対に着ることが許されない「絶対禁色」という色がありす。それが、天皇の袍の色「黄櫨染」（こうろぜん）と、皇太子の袍の色「黄丹」（おうに）です。
今上天皇が「即位礼正殿の儀」でお召しになった金茶色の袍の色を覚えているのではないでしょうか？あの色が「黄櫨染」で、現代においても天皇以外は着ることが許されない日本の禁色です。

テレビでは赤茶や金茶のように映っていましたが、黄櫨染はウルシ科のハゼノキ（櫨）の樹皮と蘇芳から染め出される色で、この色を出すのはとても難しいのだそうです。黄と赤が混ざった茶色で、光の当たり方で赤茶にも黄茶にも見えるのだそうです。聖徳太子が『日出ずる処の天子』と称した太陽を象徴する色です。

 

時代ごとに色分けは少し違うのかもしれませんが、今ちょうど大河ドラマ「光る君へ」も放送されていますので、その辺りを気にして見るのもまた楽しいかもしれませんね。

ではでは、また。

 

Hello everyone, this is Staff T.
Unfortunately, today’s weather has been unfortunate, but yesterday, the blooming of cherry blossoms (Someiyoshino) was announced in Kochi Prefecture, leading all weather stations in Japan.

Last year, the blooming of Someiyoshino was observed at 34 weather stations by March 23, so it seems that this year’s blooming is later than last year in many areas.
It is raining today, but the temperature is not that low, so the rain is likely to promote the blooming of the cherry trees. Cherry blossoms are not likely to fall immediately even if it rains because the blossoms are firmly attached for about 10 days after blooming. Cherry blossoms are in full bloom about a week after they start blooming, so next week we will finally be able to enjoy cherry blossom viewing.

Even in our daily lives, we are now filled with pink, yellow, and other spring-inspired advertisements. For us Japanese, “spring-like” colors may represent colors that have a sense of the season.
Speaking of colors, there are traditional colors that have been handed down in Japan since ancient times. Traditional Japanese colors that represent spring include “sakura-iro,” a light pink, “koubai-iro,” a color between pink and red, “wakaba-iro,” a light yellowish green, and “nanohana-iro,” a bright and vivid yellow.

Traditional colors are also called Japanese colors, and are characterized by their slightly different tones from the primary colors. In Japan, which has four distinct seasons, people have long enjoyed the color of flowers and grasses, trees, the sky, and mountains, which change their expressions with the seasons. Traditional colors were created by sensing and naming the subtle hues created by the beautiful nature and culture nurtured there.

Color was also an expression of rank. Under the Ritsuryo system, the color of clothing (robe color) was determined according to rank, and colors that other people were not allowed to wear were called “forbidden colors. In contrast to forbidden colors, colors that anyone was allowed to wear were called “permitted colors.

The most famous forbidden colors are those of the “Twelve Grades of Crown Rank,” which are said to have been established by Prince Shotoku.
The color worn by those of the highest rank was a deep, dark purple called koki, while the color for those of the lowest rank was black. The lowest ranking color was black, and the lowest ranking color was a light black (like sumi-kuro) called usukuro.
Since it takes a lot of dye to dye a color darker, light colors were probably worn by people of lower ranks. Even within the same purple, light purple is lower in rank than dark purple.
In the old days, the color of clothing was determined according to the official position, and only those of that rank were allowed to wear it.

No matter how hard one worked to rise in the ranks, there was one color that was absolutely forbidden. These were korozome, the color of the emperor’s robe, and koutan, the color of the crown prince’s robe.
You may remember the color of the golden-brown robe worn by the current emperor at the accession ceremony. That color is “kirozome,” a color forbidden in Japan, and even today, only the emperor is allowed to wear it.

The color was shown on TV as reddish brown or golden brown, but it is a color produced from the bark of the Japanese sumac tree (Rhus succedanea), which belongs to the poison oak family, and from the Japanese sumac tree, Rhus succedanea, and it is very difficult to produce this color. It is a brown color mixed with yellow and red, and looks reddish brown or yellowish brown depending on the way the light hits it. It is said to be the traditional color symbolizing the sun, which Prince Shotoku called “the child of the rising sun.

The color classification may differ slightly from period to period, but since the historical drama “Hikaru Kimi he” is being broadcast right now, it may be fun to pay attention to that area as well.
So, see you soon.

 

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みなさまこんにちは、スタッフYでございます。

 

 

 

 

このところ、街中に卒業式と思しき袴姿や、お花を持った若い方や、親子ずれをなどを見かけます。そう、卒業式なんですね。おめでとうございます。

 

一時期は、ご時世により卒業式もリモート開催や中止などとになり、本人のみならず誰もが残念に思う時期もあったのですが、こうやって何事もなく晴れ着を着て、晴れ晴れしい表情をした若い人達を拝見しますと、ようやっと通常の景色にもどったのだな…と、実感するのは私だけでしょうか。

 

そういえば先日、毎年恒例卒業ソングランキングをTVでやっていたのですが、もちろん自分の頃の卒業ソングはすっかり消え去っております。また、そのころの記憶も、とうに消え去っているのですが、今の若い人たちが好きな卒業ソングも世代は違ってもなかなかいい曲だな、と、先日もいろいろSpotifyで検索して再度聞きなおしたりしておりました。

 

それにしても卒業式当日の記憶云々こそ消え去っているのですが、寒さの中に少し暖かくなった日差しが入り混じって、その中に不安や寂しさや期待がいろいろ入り味ったもやもやした感覚だけはなぜか残っており、若かりし頃の自分にちょっと問うてみたいのですが、何を思っていたのでしょうね。

 

今年卒業される若い皆様もきっとそのような気持ちでいるのかと思いますが、とうに過ぎ去った大人が振り返りますと、全部ひっくるめてその感覚は『希望』の一言だったように今なら思えます。

 

どうかその感覚をいつまでも忘れないで、次のステージへ進んでほしいものです。

 

それではごきげんよう。

 

 

Hello everyone, this is Staff Y.

 

Recently, we have been seeing many young people in hakama (traditional Japanese male formal attire), some carrying flowers, and some with their parents and children, who seem to be celebrating their graduation. Yes, it is a graduation ceremony. Congratulations!

 

There was a time when graduation ceremonies were held remotely or cancelled due to the current situation, and everyone felt disappointed, not only the students themselves, but also everyone else, Am I the only one who feels that we are finally back to normal?

 

The other day, the annual ranking of graduation songs was shown on TV, and of course, the graduation songs of my own time have all but disappeared. Of course, the graduation songs of my own time have all but disappeared, and my memories of those days have long since faded as well, but I was thinking the other day that the graduation songs that young people like today are also quite good, even if they are from a different generation, and I was searching for them on Spotify and listening to them again.
The memories of the day of graduation are gone, but somehow I still have a hazy feeling of anxiety, loneliness, and anticipation in the cold mixed with a little warmth of the sun. I wonder what I was thinking when I was young.

 

I would like to ask myself what I was thinking when I was young, but I wonder what I was thinking. I am sure that the young people who are graduating this year are feeling the same way, but looking back on it as an adult who has long since passed away, I can now see that all together, that feeling was one word: “hope.

 

I hope that you will never forget that feeling and move on to the next stage.

 

Have a good day.

 

 

 

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みなさまこんにちは、スタッフＴでございます。

寒さは感じるものの、いよいよ桜の開花も進みそうで楽しみです。

 

 

さて、風光舎に新しく仲間入りしたこちらは、藤田喬平の作品。鮮やかなブルーにころんとした丸い形は、思わず手に取りたくなる可愛らしさです。こちらは花瓶でしょうか。徳利として使うのもよいかもしれません。

 

日本を代表するガラス作家である藤田喬平は、色ガラスに金箔を混ぜた「飾筥(かざりばこ)」や「ベネチアン・グラスの」花瓶など、伝統的な技法を現代感覚でよみがえらせた作品で知られる作家です。世界的にも高く評価され、平成14年文化勲章も受章しました。

藤田喬平は1921年東京に生まれ、40年に東京美術学校（現東京藝術大学）工芸科に入り彫金を学びます。卒業後は岩田工芸硝子に入社しますが、間もなく独立し、ガラス作家としての道に進みます。64年には流動するガラスのオブジェ「虹彩」を発表し、注目を集めます。

 

金属を学んだ藤田喬平は、金箔や銀箔をガラスの中に溶かし込む技法を開発し、ガラス工芸の新しい分野を切り拓いていきます。国際的に第一線の作家として認められるきっかけとなったのは、日本の伝統的美意識をガラスという素材によって現代的に蘇らせた作品「飾筥(かざりばこ)」の発表です。

昭和48年に発表されると欧米で大きな反響を呼び「フジタのドリームボックス」の愛称で親しまれ、代名詞となりました。その後もガラス工芸の本場イタリアのベネチアン・グラスやスウェーデンのカット・グラスなどにも挑戦し、ガラス工芸の可能性を追求し続けました。

 

箱にも書かれております「手吹」とは、 溶けたガラス生地を竿に巻き取り、宙に向かってまわしながら吹き形を整える昔ながらの技法です。

吹きガラスのはじまりは諸説ありますが、紀元前1世紀頃にフェニキアのガラス職人が開発したという説が有名です。

型にガラスを流し込むのではなく、溶解炉などで高温融解したガラスを鉄パイプに巻き取り、口で空気を吹き込んで作るため「吹きガラス」という名前になりました。ガラスをまるで風船のようにふくらませて成型するこの技法は、現在もなお世界中で受け継がれているガラス製造技法の基本となっています。

ガラスの温度やその日の湿度などの環境、息の吹き込み方などの違いによって、一つとして同じ作品にならないのが手吹ガラスの一番の魅力とも言えます。

 

そもそも、ガラスはなぜ透明なのかというと、ガラス自体が光を吸収せず透過させるため。透過、つまり背景の色を透かすことができ、光に当たるとキラキラと反射させることが出来ます。この透過性が「美しい」という認識に繋がり、ガラスの器は宝物として扱われたり、装飾品の材料としても重宝されてきました。

「ガラス」と耳にしたとき、どんなイメージを思い浮かべますか？その魅力はなんといってもその見た目の良さでしょうか。光を通してきらきらと輝く様子は他にない魅力です。一方で、ぶつけたり落としてしまうと、即座に割れてしまうという繊細さも持ち合わせているのがガラスです。その繊細さが人を引き付ける要因かもしれませんね。

 

HPやSNS等でお知らせしておりますように古美術風光舎では、来月、４月5，6，7日、ここ覚王山の店舗におきまして『器と骨董展』を開催いたします。これまでブログ等でご紹介してきました器など、一度是非お手に取ってご覧いただけたらと思います。

6，7日は覚王山祭りも開催しておりますので、お祭りの寄り道にふらりとお立ち寄りくださいませ。

 

ではでは、また

 

 

Hello everyone, this is Staff T.
Although it feels cold, we are looking forward to the cherry blossoms finally coming into bloom.

Now, this is a new addition to Fukosha, a work by Kyohei Fujita. The vivid blue color and round shape are so cute that you can’t help but want to pick it up. Is this a vase? It may also be used as a sake cup.

 

Kyohei Fujita, one of Japan’s leading glass artists, is known for his works that revive traditional techniques with a modern sensibility, such as “Kazari-bako,” which is colored glass mixed with gold leaf, and “Venetian glass” vases. He was awarded the Order of Cultural Merit in 2002.
Kyohei Fujita was born in Tokyo in 1921, and entered the Crafts Department of Tokyo National University of Fine Arts and Music (now Tokyo University of the Arts) in 1940, where he studied metal carving. In 1964, he attracted attention with his “iris,” a flowing glass objet d’art.

After studying metals, Kyohei Fujita developed a technique for fusing gold and silver leaf into glass, opening up a new field of glass art. What led to his international recognition as a leading artist was the release of “Kazari-bako,” a work that revived the traditional Japanese sense of beauty in a modern way using glass as a material.

 

When it was unveiled in 1973, it made a huge impact in Europe and the United States, where it was nicknamed “Fujita’s Dream Box” and became synonymous with the brand. After that, Fujita continued to pursue the possibilities of glass craft by experimenting with Venetian glass from Italy, the home of glass craft, and cut glass from Sweden.

The “hand-blowing” described on the box is an old-fashioned technique of winding molten glass onto a rod and turning it in the air to form the shape of the blown glass.
There are various theories about the origin of hand-blown glass, but the most famous is that it was developed by Phoenician glassblowers in the 1st century BC.
The name “blown glass” comes from the fact that the glass is not poured into a mold, but is instead melted at high temperatures in a melting furnace, wound around an iron pipe, and blown into the air with a mouth. This technique of forming glass by blowing it up like a balloon is the basis of glassmaking techniques still used around the world today.

 

The most fascinating aspect of hand-blown glass is that no two pieces are alike, depending on the temperature of the glass, the humidity of the day, and the way the glass is blown.
The reason why glass is transparent is because glass itself does not absorb light but allows it to pass through. Transparency, in other words, allows the colors of the background to shine through, and when it is exposed to light, it can reflect it sparklingly. This transparency leads to the perception of “beauty,” and glass vessels have been treated as treasures and valued as materials for ornaments.

 

What image comes to mind when you hear the word “glass”? The most appealing thing about glass is its good looks. The way it glitters and shines through the light is uniquely attractive. On the other hand, glass is also delicate and can break instantly if it is bumped or dropped. This delicacy may be the reason why glass attracts people.

As we have announced on our website and SNS, we will be holding an exhibition of “Vessels and Antiques” at our store in Kakuozan on April 5, 6, and 7, 2012. We hope that you will take a look at the vessels that we have been introducing on our blog and other places.
The Kakuozan Festival will be held on the 6th and 7th, so please drop by on your way to the festival.
See you soon!

 

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お片付けなどくれぐれもご無理のないようになさってくださいませ。

風光舎では古美術品や骨董品の他にも絵画や宝石、趣味のお品など様々なジャンルのものを買受しております。

お片付けをされていて、こういうものでもいいのかしらと迷われているものでも、どうぞお気軽にご相談下さいませ。

また風光舎は、出張買取も強化しております。ご近所はもちろん、愛知県内、岐阜県、三重県その他の県へも出張いたします。

まずは、お電話お待ちしております。

 

 

愛知県名古屋市千種区姫池通

骨董 買取【古美術 風光舎 名古屋店】

TEL052（734）8444

10：00－18：00 OPEN

 

みなさまこんにちは、スタッフYでございます。

 

HPやSNS等でお知らせしておりますように古美術風光舎では、来月、４月5，6，7日、ここ覚王山の店舗におきまして『器と骨董展』を開催いたします。6，7日は覚王山祭りも開催しておりますので、お祭りの寄り道にふらりとお立ち寄りくださいませ。

 

そんな器展の開催にあたって、自分も少し骨董の器のおさらいをしているのですが、本日は李朝の白磁についての調べものをしております。

 

李朝の白磁の魅力、一緒に探っていきましょう。

 

 

 

 

李朝白磁は14世紀から19世紀末期まで続いた李氏朝鮮で作られた白磁のことなのですが、その美しさや希少性の高さから非常に人気が高く、高値で取引されることもある骨董品であります。

 

朝鮮半島では高麗時代には「高麗青磁」と呼ばれるや青磁が作られ、高麗青磁が衰退すると白い釉薬をかけた「粉青沙器」が作られるなど、古くから陶磁器が盛んに作られておりまして、もとは、中国の元、明の白磁の影響を受けたといわれていますが、時代が経つにつれて独自の発展を遂げ、中国の白磁とは異なる道を辿っていくこととなるのですが。

 

李氏朝鮮時代の初期に作られていたのは主に粉青沙器でしたが、中国から白磁の技術が伝わると、白く輝くような高貴さや高潔さ、白が持つ純潔のイメージが愛され、朝鮮半島でも次第に白磁が作られるようになりました。（どうやら歴史的には青磁が先に出来上がっていたようですね。）

 

その結果、16世紀前半になると粉青沙器は姿を消し、17世紀に入る頃には完全に白磁に置き換わりっていきます。李朝白磁は初期のころは焼き上げた白土を上塗りして装飾を施すという技法が用いられていましたが、陶工たちが磁器の鉱石を求めて広州市に移り住み、15世紀に道馬里で官窯が築かれると独自に発展し始めます。

 

その後、清朝の侵攻の影響で道馬里での白磁製造は衰退しますが、その技術は金沙里にひきつがれ、官窯が作られて質の高い白磁が数多くつくられるようになります。

 

そして、王朝が衰退しはじめた1752年に金沙里から広州に窯が移転され李朝白磁生産の中心になりますが1883年に窯が民営化されて官窯の歴史は終わり、1910年の日韓併合で李氏朝鮮の時代も終わりとなりました。

 

それにしても、やはり500年もの歴史の間作られていたのですからその特徴は少しずつことなるようでして。

それぞれ初期、中期、後期の分けられるのですが、李朝白磁が始まった14世紀から道馬里で作られていた16世紀の李朝初期、金沙里で作られていた1700年から1750年頃の李朝中期、1752年に広州に窯が移転した後の李朝後期に分けられます。

初期李朝は焼き上がった時に白い土を上塗りして装飾を施した素朴な品と、白地に酸化コバルトの釉で絵付けを施した品があり、どちらも器体の色が白灰色をしているのが特徴であります。

 

そして、優れた品が多いといわれる李朝中期になると器体の色が灰白色から乳白色に変わりより美しく変化。後期李朝は中期李朝と似ていますが、中期李朝よりもずっしりとした重みがあるのが特徴となっていき、また、初期や中期は青で絵付けが施されていましたが、後期に入ると赤で絵付けした品も登場してきました。

 

さすがに500年も作られておりますと、時代によって異なる特徴を持つ李朝白磁なのですが、どの時代においても中国の白磁などに比べると底が厚いという特徴があるようです。

 

また、器肌が滑らかで手触りがよく、「雪のような」と例えられるほど白く美しいことも大きな特徴。李朝白磁の魅力は、この滑らかな肌と高貴な白さ、どっしりとした重厚感と品格、さらに時代によって異なる装飾や形の特徴、その希少性の高さなどが相まって、昨今気になる存在の器になっていたのでしょうか。

 

その歪み、厚手のどっしり感、素朴さは、これまで中国渡りのシンメトリーで薄手、上品さが好まれた時代からすると、李朝の雑器は宮廷感覚にはなんとも程遠い仕上りでなのですが、それこそが「完全の美」というよりも「不完全の美」といいましょうか、それらが利休以来の侘び、寂を尊ぶ日本人の心を鷲づかみにしたようですね。現在も当時茶道具なども日本の美術館にたくさん展示されており、李朝白磁への憧れが伝わってきます。

 

 

 

 

では、なぜにこのような素朴な器になったのか。

一説に李朝時代（約500年間）は仏教にかわり朱子学（儒教）の世となり、抑仏崇儒政策で生活様式が質素を好む思想に一変したからだとも推測されます。

 

15世紀初頭、焼き物も清潔で簡素な器が主流になり、中でも白磁は王家の器とされ一時期一般国民の白磁器使用を禁じた程でありました。この時代は世界的に陶磁器に白磁が絶対なるあこがれの存在のようでして、その大らかさ、素朴さ、暖かさは李王朝特有の産物であります。

 

ですが毒殺を恐れた王宮では銀の食器を多岐に採用し、利用頻度の減った陶磁器は進歩、発展を王朝から期待されずにそのままの姿で生き延びたのではとも言われております。

 

よって、長年、実用一辺倒の焼物が過剰な美意識に毒されることも無く、陶工達の素直な感覚と屈託の無い仕上がりがそのまま今日に至っているということのようですね。

 

それにしても、500年もの間、こうやってあまり変化することもなく生き延びた武骨な李朝白磁を趣深く手にとることができるとは。何が功を奏るかは長い年月を経てやっとわかることもあるのだな…。などと、その重みが教えてくれたような気がいたしました。

 

それではごきげんよう。

 

Hello everyone, this is Staff Y.

As we have announced on our website and SNS, we will hold an exhibition of “Vessels and Antiques” at our store in Kakuozan on April 5, 6, and 7, and the Kakuozan Festival will be held on April 6 and 7, so please drop by on your way to the festival.

I have been doing some research on Yi Dynasty white porcelain today.
Let’s explore the charm of Yi Dynasty white porcelain together.

Yi Dynasty white porcelain is white porcelain produced in the Yi Dynasty Korea, which lasted from the 14th century to the end of the 19th century. It is an antique that is very popular and sometimes traded at a high price because of its beauty and rarity.

In the Korean Peninsula, celadon porcelain called “Goryeo celadon” was produced during the Goryeo Dynasty, and when Goryeo celadon declined, white glazed “powdered celadon” was produced, and ceramics have been actively produced since ancient times.

Originally influenced by the white porcelain of the Yuan and Ming Dynasties in China, it developed its own unique style as time went by and followed a different path from Chinese white porcelain.
In the early Yi Dynasty, white porcelain was mainly made of powdered celadon, but when the technique of white porcelain was introduced from China, white porcelain gradually began to be produced on the Korean peninsula, as people loved the image of nobility and purity that the white color, shining white, had. (Apparently, historically, celadon porcelain was produced first.)
) As a result, in the first half of the 16th century, celadon porcelain disappeared, to be completely replaced by white porcelain by the beginning of the 17th century. In the early days, Yi Dynasty white porcelain used the technique of decorating by painting over fired white clay, but it began to develop on its own after potters moved to Gwangju City in search of porcelain ore, and official kilns were built in Doma-ri in the 15th century.

Although white porcelain production in Doumari declined due to the Qing Dynasty’s invasion, the technique was inherited in Jinshali, where official kilns were built and many high-quality white porcelain pieces were produced.

In 1752, when the dynasty began to decline, the kilns were moved from Geumsari to Gwangju, which became the center of Yi Dynasty white porcelain production, but in 1883, the kilns were privatized, ending the history of the official kilns, and the Yi Dynasty came to an end with the annexation of Korea and Japan in 1910.

However, since the kilns had been produced for 500 years, their characteristics seem to have varied little by little.

They can be divided into the early, middle, and late Yi Dynasty periods: the early Yi Dynasty period from the 14th century, when Yi Dynasty white porcelain was first produced in Doma-ri in the 16th century; the middle Yi Dynasty period from 1700 to 1750, when it was produced in Geumsa-ri; and the late Yi Dynasty period after the kilns were relocated to Gwangju in 1752.

Early Yi Dynasty wares were either rustic, decorated with a white overglaze of clay when fired, or painted with a cobalt oxide glaze on a white ground, both characterized by the white-gray color of the vessel body.

In the mid Yi Dynasty, which is said to have many excellent pieces, the color of the vessel changed from grayish white to milky white, and it became more beautiful.

Late Yi Dynasty wares are similar to those of the Middle Yi Dynasty, but they are heavier and heavier than those of the Middle Yi Dynasty.

As might be expected after 500 years of production, Yi Dynasty white porcelain has different characteristics depending on the period, but in all periods, the bottom is thicker than that of Chinese white porcelain.

Another major characteristic of Yi Dynasty white porcelain is that its surface is smooth to the touch and so beautifully white that it has been likened to “snow. The charm of Yi Dynasty white porcelain is the combination of its smooth skin, noble whiteness, solid massiveness and dignity, as well as the characteristics of its decoration and shape, which vary from period to period, and its rarity, which have made it a vessel of interest in recent times.

The distortion, thick solidity, and simplicity of the Yi dynasty’s miscellaneous vessels are far removed from the courtly sense of beauty from the period when symmetry, thinness, and elegance were favored in the Chinese tradition, but this is the beauty of imperfection rather than the beauty of perfection. It seems to have grabbed the hearts of Japanese people who respected wabi and sabi since the days of Rikyu. Even today, there are many tea ceremony utensils from that period on display in Japanese museums, which shows the admiration for Yi Dynasty white porcelain.

So, why did it become so simple?

One theory is that during the Yi Dynasty (about 500 years), Buddhism was replaced by Zhu Zi (Confucianism), and the lifestyle changed drastically in favor of simplicity due to the policy of suppressing Buddhism and worshipping Confucianism.

In the early 15th century, clean and simple pottery became the mainstream, and white porcelain, in particular, was considered royal vessels, so much so that the use of white porcelain by the general public was banned for a time. White porcelain was considered to be royal vessels, and the use of white porcelain was even forbidden to the general public for a period of time.

However, it is said that the royal court, which feared poisoning, adopted silver tableware for a wide range of uses, and ceramics, which were used less frequently, survived in their original form without the expectation of progress and development from the dynasty.

Therefore, it seems that pottery, which has long been focused on practical use, has not been poisoned by an excessive sense of beauty, and the honest sense and carefree workmanship of the potters have continued to the present day.

It is a rare opportunity to hold in one’s hands the rugged Yi Dynasty white porcelain that has survived for 500 years without much change. It seems that sometimes it is only after a long time that we finally learn what works.

Have a good day.

 

 

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