茶杓（ちゃしゃく）は、茶道で抹茶を茶入れからすくい、茶碗に入れるための匙のような道具です。

主に竹製ですが、木製、象牙製、金属製のものもあり、千利休が中央に節のある「利休型」を考案しました。使用後は水洗いせず乾いた布で拭き、使わないときは筒にしまっておくのが一般的で、一つ一つに「銘」と呼ばれる名前がつけられることもあります。

有名な茶杓ですと、千利休の「泪（なみだ）」や「ゆかみ」、織田長益の「玉ぶりぶり」、細田忠興の「ケツリそこなひ」、小堀遠州の「埋火（うずみび）」、そして千宗旦び「弱法師（よろぼし）」などがあります。

茶杓の買取については作家名や銘があるか、共筒・共箱（作者の署名や花押、句銘などが記された筒や箱）の有無、茶杓の素材（竹製が一般的だが、象牙、金銀などの希少なものもある）といった要素が査定価格に大きく影響します。主な要素としては

• 共筒・共箱：作者の署名、花押、句銘などが書かれた筒や箱があるかどうかが、茶杓の価値を大きく左右します。
• 素材　:天然竹や煤竹製の茶杓が最も一般的で人気がありますが、象牙、金製、銀製など希少性の高い素材は高値がつく可能性があります。
• 状態　:良好な状態であることはもちろん、茶杓の状態だけでなく、付属する筒や箱の状態も査定に影響します。

螺鈿は漆器などに施される装飾のひとつでして、夜光貝などの美しい貝を使い、宝石のような美しさに仕上げたもであることはご存知かと思われます。詳しくは「螺」は螺旋状の貝殻を指し、「鈿」は貝や金属などを使う飾りを指し、螺鈿に用いられる巻貝は一般的に栄螺（さざえ）のように渦を巻いたものを指しますが、現在ではアワビ・夜光貝・シジミ・蝶貝なども使われています。どの貝も色合いが美しく、キラキラと輝くような見た目をしているのが特徴。

材料となる貝に彫刻を施し、漆器の表面や木地などにはめ込む技法であり、非常に繊細な技法で、少しの加減で表面の輝き方や色合いが異なるのも魅力のひとつであります。さまざまな文様や模様が表現される螺鈿ですが、使う貝の種類によっても仕上がりが異なります。

すでに正倉院の時代にはすでに日本へ渡っており、螺鈿の歴史はそれはそれは古くて、最初に作られるようになったのは紀元前3000年のエジプトだといわれております。5000年前から現在と同じように貝のキレイに光る部分を切ってはめ込んでいたようで、初期王朝の頃のものとされる遺跡からは、立派な螺鈿が施された装飾品が多数出土されております。

日本に螺鈿が伝わったのは奈良時代でして、エジプトからではなく中国の唐からとされています。作り始めたばかりの頃は琥珀や鼈甲（べっこう）と組み合わせながら、楽器の装飾に多く使われていたそうでして、正倉院の螺鈿紫檀五絃琵琶などもその時代のものであります。

時代が進んで平安時代になると螺鈿の技術は急激に発達し、蒔絵（まきえ）などと併用することでさらに美しい装飾品が作られるようになります。国宝片輪車蒔絵螺鈿手箱などは平安時代の作品です。

鎌倉時代には螺鈿が巷で流行になるほど人気が高まり、馬の背中に乗せる鞍の装飾に用いられることが増えていきます。

江戸時代に入ると、貝を好みの色に染色して使うようでして、貝を染色することにより作品作りの表現の幅が広がりそれまで以上にさまざまな作品が作られるようになったのですが、鎖国によって海外との貿易が縮小されたため、職人たちは国内へ向けた作品作りに切り替えます。当時の有名な螺鈿の作品ですと、尾形光琳作「八橋蒔絵螺鈿硯箱」などがあげられます。

リトグラフ（石版画）は、版画の技法の1つです。リトグラフの語源は、ギリシャ語で石という意味の「lithos」といわれます。リトグラフは、石（石灰石）を使用し化学反応を利用した技法ですが、現在では、石の他にアルミ板が使われることも増えています。

リトグラフ（lithograph）は、1796年ヨーロッパでアロイス・ゼネフェルダー（Alois Senafelder）によって偶然発見された技法です。19世紀頃には、リトグラフ技法はヨーロッパへと広まり、その後、リトグラフは世界中へと広がっていき、数多くの作家がリトグラフ技法を用いた作品を世に生み出しました。

有名なリトグラフの作品には、エディションナンバー（作家が制作した版画の枚数を示すものです。通常20／100のように表記され、これは制作された100枚のうち20番目のものであることを意味します。）、本人のサイン（サインは作家が作品を完成）などが概ね記載されております。

彫金の技術は金属工芸のなかでも長い歴史があります。

古墳時代後期（6世紀前半から半ば過ぎ頃）に渡来工人によって伝えられたとされ、冠帽(かんぼう)や指輪、簪（かんざし）などの装身具、馬具類など当時の遺物を見ると、毛彫（けぼり）や透（す）かし彫りなどの基本的技術が定着していたことがわかりますし、法隆寺や正倉院でも彫金の宝物を拝見することがありますが、当時のものと言いましてもその意匠と技術のレベルには驚きますよね。

また、平安時代（794～1185年/1192年頃）後期に武士階級が台頭するようになると、彫金は刀剣・甲冑（かっちゅう）・金具に装飾として施されることが多くなり、室町時代（1336～1573年）には後藤祐乗（ゆうじょう）を祖とする後藤家が将軍家お抱えとなり、その格式を重んじる作風が“家彫（いえぼり）”として後世に伝えられ、江戸時代（1603～1867年）になり太平の世が続くと、刀剣は実用性を重んじるものから意匠の面白さを競うものへと変化し、精密な小型の彫金の技術が完成していきます。

元禄期（1688～1704年）以降、横谷宗珉（よこやそうみん）が墨絵の筆勢そのままに鏨（たがね）で表現した片切彫（かたぎりぼり）の技法を生み出しますが、宗珉自身は武家よりも町民たちとの交わりを好み腕をふるったことから、京都風の”家彫”に対して“町彫”と呼ばれ、その自由な発想と斬新なデザインは、刀剣よりもむしろ煙管(きせる)や根付(ねつけ)などの生活用品に広がりを見せるようになり、新しい流行を生み出し、その用途は変化していきました。彫金の技術は絶えることなく伝承され、主に器物、置物、装身具、神仏具などに施され、彫金は素材本来の持ち味を引き立て、格調と重みのある製品を生み出し、明治期にはいりますとその意匠と技術は超絶技巧の域に入っていきます。

彫金において、人間国宝の認定を受けているのは、海野清、内藤四郎、鹿島一谷、金森映井智、増田三男、鴨下春明、中川衛、桂盛仁、山本晃の9人。また、帝室技芸員としては、加納夏雄、高村光雲、石川光明、海野勝珉、香川勝広など。

織部(
)は、今から四百年程前の桃山時代に、茶の湯と共に花開いた美濃の窯（岐阜県東濃地方）で焼かれた陶器のうちのひとつでして、一般的には銅緑釉(どうりょくゆう)（銅により緑色に発色する釉薬）を施した陶器をさすことが多いようですが、黒釉を掛けた織部黒や銅緑釉を掛けていない絵織部などもあります。型にはまらず斬新で大胆にデフォルメされた造形は、その時その時代においての一般概念を打ち破る革新的なところが特徴であります。

織部と言う名称は武将で利休の高弟子であり茶人であった古田織部)によるものですが、一説には古田織部が今で言うプロヂューサー兼デザイナーであり、織部好みの陶器を焼かせていたとも言われておりますが、真相不明。

織部には数々の種類があります。

１．黒織部

鉄釉を掛け分けて、掛け残した余白の部分に鉄絵を施し、その上に長石釉を掛けたもの。瀬戸黒と同じ焼成方法で、焼成中の窯から引き出すことで急冷させて黒色に発色させ、黒織部と織部黒といえば沓茶碗というほど沓形の茶碗が多く見られる。文様も織部の特徴ともいえる幾何学文様が自由奔放に描かれた秀作が多く、陶工にとっても腕の見せ所だったのか、面白みのある茶碗が多い。ほとんどが茶碗だが、茶入れ、香合などにも良いものが見られる。

２． 織部黒

器全体に鉄釉が掛けてあり、黒織部と同じく窯から引き出して黒色に発色したもの。織部黒もほとんどが沓茶碗で、口縁部分に鉄釉と長石釉を二重掛けして釉の変化をねらったものが多く見られ、その他に瀬戸黒に似た半筒形の茶碗もあるが、器面をヘラなどで削り手で形を整えるなど意匠の強いものとなっており、瀬戸黒とは違ったものといえる。

３．青織部

部分的に銅緑釉を掛け分けて余白の所に鬼板(おにいた)（褐鉄鉱）などで文様を描いてあるもの。銅緑釉の緑色は、長石と土灰などの釉に銅を入れて酸化焼成することで得られる色であり、この釉は還元焼成すると赤色に発色する。

織部のなかには緑色が部分的に赤く発色したものも見うけられるが、鉄絵の上には長石釉が掛けられている。織部といえばこの手のものを指すぐらい、種類も多く大量に作られている代表的な陶器。但し、茶碗として作られたものはほとんどなく、特に食器類が多く、鉢、向付などには三日月・舟形・扇の形など色々な形のものが見られる。

４．志野織部

織部として焼かれたものではなく、志野を作ろうとして窯の様式の変更により次第に織部風になっていったものを志野織部という。志野は穴窯で焼かれていたが、次第に熱効率の良い登り窯へと変わったことから温かみのあるふんわりとした志野独特の釉調が薄れ、下絵もはっきりと見えるようになり、光沢の強いものへと変化。現在でも穴窯で志野を焼かれている方がいるように、窯の温度が上がりにくく冷めにくい窯で時間を掛けてじっくりと焼かなければ、志野独特の釉調は得られない。

５．絵織部

白土に鉄絵を施して長石釉だけ掛けられたもの。上記に書いた志野織部とは違い、明らかに織部としての意匠をもって作られたもので、銅緑釉が掛けられていないので、鉄絵の文様が強調されたものになっている。

６．総織部

銅緑釉だけが器全体に掛けられたもの。皿などには、銅緑釉の下に文様を線彫りした物などが多く見られる。総織部の茶碗はほとんど見あたらず、皿、鉢、香合などが主で、変わったところでは香炉、硯(すずり)、煙管(きせる)などの細工物がある。

７．鳴海織部

赤土と白土を継ぎ合わせて白土のところへ銅緑釉を掛け、赤土には白泥と鉄絵で文様を描き長石釉を掛けてあるもの。青織部よりもカラフルで複雑な文様になっており、赤土の素地に白と黒を使い文様を強調することで立体感が生まれ、軽やかな動きのある文様といえる。継ぎ合わせて作るので型物の手鉢や向付が多いが、ろくろ作りの沓茶碗にも良いものが見られる。鳴海織部の名称は名古屋の鳴海地方で作られたと思われていたため、この名称が付いたという説もあるが、詳細はわからない。

８．赤織部

赤土だけで作られており、素材の赤土に鉄絵で文様を描いたり、白泥と鉄絵で描き長石釉を掛けてあるもの。素材の白土と銅緑釉のない鳴海織部ともいえる。香合や向付などに見られる。

９．伊賀織部

美濃伊賀とも呼ばれ、三重県の伊賀焼の花生や水指などに倣って織部の窯で作られたもの。伊賀焼は窯の燃料でもある木の灰が器面に付いて青緑色のビードロといわれる自然の釉だれが景色となっているが、それを織部では白泥を部分的に掛け、全体に薄く土灰釉を掛けてからビードロの代わりに飴色の鉄釉を流し掛けにしている。

10．唐津織部

美濃唐津とも呼ばれ、絵唐津に倣って織部の窯で作られたもの。唐津でも織部に倣って作られた沓茶碗などがあり、美濃と唐津の交流がうかがえる。

高村光雲（たかむらこううん）

明治から大正時代に活躍した著名な仏師、彫刻家。代表作は「老猿」は、国の重要文化財に指定されております。

（国立博物館HPより）

ほかにも上野公園の西郷隆盛像や、丸の内の皇居前広場にある楠木正成像の制作者（他の作家と共同制作）も高村光雲の作品などがある。

〈　高村光雲の主な経歴　〉

1852年　江戸で生まれる

1863年　仏師・高村東雲に師事する

1877年　第一回国内勧業博覧会で龍紋賞を受賞

1886年　東京彫工会を設立する

1890年　「帝室技芸員」に任命される

1893年　シカゴ万国博覧会に『老猿』を出品する

1898年　上野公園『西郷隆盛像』の木型制作する

1899年　木彫レリーフ『江口の遊君（遊女）』を制作する

1919年　パリ万国博覧会に『山霊訶護』を出品する

1934年　逝去（満82歳）

高村光雲が生まれたのは、ペリーが浦賀に来た黒船来航の前年。もともと大工の弟子になる予定でしたが、奉公に出される前日、行きつけだった床屋からの紹介で、仏師の高村東雲（たかむらとううん）の弟子になります。そして後に東雲の姉・エツの養子となり、ここで高村姓に。

明治維新以後、廃仏毀釈運動の影響により仏師としての仕事はなくなるが、光雲は木彫に専念し、積極的に西洋美術を学び、写実主義を取り入れることで衰退しかけていた木彫を復活させ、江戸時代までの木彫技術の伝統を近代につなげる重要な役割を果たしていきます。

その後、1889年には東京美術大学に勤務し、1890年には「帝室技芸員」に任命されます。

「帝室技芸員」とは、戦前の日本で宮内省によって運営されていた、美術家や工芸家の顕彰制度であり、優秀な美術家・工芸家に、帝室からの栄誉を与え保護し、日本美術・工芸の保護奨励を目的に設置された制度。（お伝えしておりましたが）その待遇や役割としては帝室技芸員には年金が支給され、制作を下命されることもあり、技術に関する諮問を受けることなどが定められておりました。

いうなれば人格・技量ともにすぐれた者が任命され、皇室の美術・工芸品制作を勅命で行ったり、博物館総長の諮問に応じたり、といった任務が与えられた「栄誉職」であります。

掛け軸とは書画を布や紙で表装して竹木などの軸をつけ、床の間などに掛けるように仕立てたものをさします。縦長のものを縦軸、条幅といいます。横長のものは横幅といいます。掛物、掛字、掛幅ともいいます。単純に言えば、巻物のように長くまとめられた表装の中に付けられている画画や書などを鑑賞するために用いられるものであり、床の間において掛け軸は非常に重要な役割を担っている室内装飾として使用されております。また、掛け軸は古来から魔よけや運気の呼び込みといった面を含め、様々な用途で使用することによりどのような効果をもたらすかによって掛け軸の種類が違ってきたりも致します。

珊瑚は歴史の古い素材であり、産出の限られた希少品です。日本では明治に珊瑚漁が始まるまでは、輸入物しかありませんでした。にもかかわらず、江戸時代に大いに人気を得て工芸品や髪飾りの装飾に用いられ、加工技術も高まりました。
明治以降は、日本を代表する工芸品の一つとなっています。それゆえに江戸時代から現代に製作された貴重な骨董品も多く、これから先もますます価値を高めていくと予想されます。
そんな珊瑚の歴史と価値についてご紹介します。

前述してきたように日本の珊瑚製品が普及し始めたのは、江戸時代になってからです。
それ以前の珊瑚品はほとんど残されておらず、重要文化財のような扱いを受けてもおかしくないものばかりになります。
江戸時代の珊瑚製品

江戸時代の珊瑚製品は、以下のものが主流です。この頃の珊瑚は胡渡珊瑚であることから、色はほとんど赤色しかありません。
珊瑚樹（さんごじゅ）

そのままの形状をいかした置物で、仏教の七宝に数えられること、赤色が魔除けの色だったこと、漢方薬として用いられていたこと、枝が広がる様が末広がりとして縁起がいいことなどから、厄除開運の縁起物として重宝されました。
工芸品の装飾

特に漆工芸の蒔絵に、貴重な赤色を配置する素材として用いられています。
硯（すずり）箱、香箪笥、香炉、刀の鞘（さや）、鍔（つば）、着物の飾りなど、その利用は多岐にわたりました。
櫛、笄、簪

江戸時代に発達した髪飾りを代表とする、和装品の装飾にも使われています。
日本人の黒髪に珊瑚の赤色はよく映えたため、鼈甲とともに櫛や簪の素材として人気がありました。
根付、帯留、緒留

珊瑚の形状をそのまま利用したり彫刻を施したりして、根付や帯留として利用されています。
明治期以後の珊瑚

明治から現代にかけては、日本産のアカサンゴ、モモイロサンゴ、シロサンゴも見られるようになります。
品質の良いアカサンゴは胡渡珊瑚であるベニサンゴと同じく均一の赤色で、「血赤」と呼ばれる珊瑚の最高級品として輸出されました。
また、モモイロサンゴやシロサンゴは地中海ではあまり採れませんので、日本の特産といえるでしょう。
「本ボケ」と呼ばれる薄いピンク色は、欧米では「エンジェルスキン」と呼ばれ人気ある商品です。
明治以降になりますと、前述した江戸時代の製品に加え、ジュエリーに使用されることが多くなります。
女性用のネックレスやリング、イヤリングはもちろん、メンズジュエリーであるタイホルダーやカフリンクとしても非常に人気があります。
真珠と同じくその独特の艶や色が落ち着いていて、男性でも使いやすいのでしょう。

このように骨董品としての珊瑚製品は、江戸期以前の胡渡珊瑚を利用したものと、明治期以後の日本産珊瑚を素材としたものに分かれ、さらに珊瑚そのものの形状をいかした製品と、工芸装飾の素材として使用されるものに分類されます。

よく珊瑚礁と言う言葉を耳にしますが、そこにいるのが珊瑚です。
鉱物かと思われているケースが多いのですがれっきとした生き物で、これを使用した美術作品が人気を集めています。
珊瑚には複数の種類があるのですが、特に知られているものは赤色のものでしょう。
これを使った美術作品にはいろいろなものがありますが、中でも人気を集めていて高額取引されているのが原木です。
一見これは美術作品に見えないかもしれませんが、神秘的な見た目をしていることもあり、欲している人は相当数いるとされています。
原木をそのままで飾るケースもあれば、艶出し作業を施したうえで自宅などに飾っている人もいるでしょう。
種類や形によって価値は大きく変わり、数万円で入手できるものから数百万円以上するものも多数あり、中には1000万円を超える珊瑚の原木も美術作品としても人気です。
他にはその原木に手を加えて彫刻を施した美術作品もあります。
仏像の形をしている珊瑚彫刻や龍の形の作品まで存在しています。
珊瑚は見た目が宝石のような輝きをしているので、美術的な価値も非常に高くなっているという特徴があります。
特に赤珊瑚の作品に至っては、「珊瑚が持つ赤色の美しさ」のおかげもあり、収集家に大人気なのです。

中国美術は、中国の芸術家が創作した作品のことです。 長い歴史のある中国美術は、骨董市場で高額取引されています。 ただし贋作（がんさく）や印刷作品も多いため、専門知識がある査定を受けることが重要です。

掛軸、鶏血石、中国漆器、書画、絵画、文人画・山水画、印材、陶磁器、青磁、中国切手、白磁、翡翠、玉器、硯屏古銭、古墨、堆朱、七宝、官窯、染付、鼻煙壷、画帳、古文書、釉裡紅、田黄石、青銅器

など。